50 albums vraiment horribles par des artistes brillants.

Par Andy Green

"Il n'y a pas de grand génie sans un brin de folie." Le philosophe grec Aristote a fait cette observation il y a environ 2 300 ans, bien avant que des génies légitimes comme Bob Dylan, John Lennon, Carole King, Elton John, Madonna et Prince ne lui donnent raison. Parmi les nombreux chefs-d'œuvre célèbres que ces artistes ont donnés au monde, ils ont également réalisé des œuvres si monumentalement putrides que rien de moins qu'un « un brin de folie » ne peut expliquer leur existence.

Certains de ces albums étaient les produits de beaucoup trop de cocaïne. (Elton, nous vous regardons.) Certains d'entre eux sont venus de la pression du label pour aller au-delà d'un culte en créant de la musique commerciale. (Bonjour, Liz Phair.) Certains d'entre eux ont été créés avant qu'un groupe ne trouve son vrai son (Pantera, inclinez-vous), tandis que d'autres sont venus bien après la séparation des membres clés et que le groupe n'avait aucune raison terrestre d'exister encore. (Toux-Genesis-toux).

Un énorme pourcentage d'entre eux ont été de tristes victimes d'horribles choix de production des années 80, notamment la période lamentable de 1985 à 1988, lorsque les synthés cheeseball et les caisses claires à fusil de chasse ont créé un son qui a vieilli pire qu'un sandwich au thon et à la sardine laissé au soleil.

Inutile de dire que les fans de rock sont des contraires notoires et que l'album poubelle d'une personne est le classique négligé d'une autre personne. Nous sommes sûrs qu'il y a des gens qui aiment les vestes en cuir d'Elton John, Squeeze du Velvet Underground et Speeding Time de Carole King. Certains d'entre vous penseront que nous avons choisi la mauvaise bande originale du film d'Elvis, ou que nous étions fous de laisser tomber Let Me Up (I've Had Enough) de Tom Petty ou Muse Sick-n-Hour Mess Age de Public Enemy. (Il se trouve que nous apprécions ces deux disques.) Il n'y a pas non plus de disque de U2 parce que nous les aimons tous, même Songs of Experience et October. Ce sont des mots de combat pour certains, et nous sommes sûrs que de nombreux lecteurs auront des problèmes avec cette liste. La vraie succion – comme la vraie grandeur – est une qualité subjective.

Les avons-nous classés ? Nous l'avons fait. En commençant par le moins pire et en comptant jusqu'au flop le plus historique.

Au début des années 80, Pete Townshend jonglait entre une carrière solo, la difficile période post-Keith Moon de Who's et une assez vilaine addiction à l'héroïne. Il a en quelque sorte trouvé le temps de graver deux albums solo stellaires (Empty Glass des années 1980 et All The Best Cowboys Have Chinese Eyes de 1982), et le LP sous-estimé de 1981, Face Dances. Mais quand le moment est venu d'entrer en studio et de couper It's Hard en 1982, son stock de morceaux était pratiquement vide. (Il convient de noter que tout au long de cette période, il a conservé le meilleur pour ses albums solo.) Le premier morceau "Athena" était un véritable succès radio, et "Eminence Front" est un chef-d'œuvre qui fait partie du répertoire live de Who depuis 40 ans. Le reste de It's Hard, cependant, est le point bas absolu de la carrière des Who. "One Life's Enough", "I've Known No War", "Why Did I Fall for That" et "Cooks County" sont clairement le résultat de l'épuisement, de drogues très dures et d'une obligation contractuelle envers Warner Bros. Records. Townshend lui-même se souvient probablement à peine d'avoir fait ce disque, et la plupart des fans de Who ont travaillé dur pour oublier qu'il existe.

Billy Joel a eu près d'une solide décennie de succès et de succès après avoir finalement percé avec The Stranger en 1977, mais quand est venu le temps de couper The Bridge en 1986, il a été mis à l'écart. "Je n'étais pas tellement concentré sur l'écriture et l'enregistrement à nouveau", a-t-il déclaré à Rolling Stone en 2013. "J'étais juste un nouveau papa, je viens d'avoir une petite fille, et je voulais juste être à la maison avec ma famille à ce moment-là, mais il était temps de retourner en studio." Travaillant avec le producteur de longue date Phil Ramone, il a réussi quelques chansons vraiment géniales comme "A Matter of Trust" et son duo de Ray Charles "Baby Grand", mais le reste de l'album est en grande partie sans vie comme "Code of Silence" et "Getting Closer". "Je n'étais pas très enthousiaste à l'idée de retourner en studio, et le groupe avec lequel j'avais travaillé pendant si longtemps était devenu quelque peu privé de tout le processus", a-t-il déclaré. "Ils ne faisaient plus vraiment partie du processus de création. C'était en quelque sorte devenu comme une entreprise."

Lorsque le chanteur original de Van Halen, David Lee Roth, a quitté le groupe en 1985, ils ont simplement fait venir Sammy Hagar et ont continué à emballer des arènes, à marquer des succès et à vendre des albums par millions. Après tout, c'est un groupe nommé d'après le guitariste et le batteur. Pourquoi est-ce important de savoir qui chante ? En 1998, ils ont appris à leurs dépens que le chanteur comptait beaucoup lorsqu'ils ont fait appel à Gary Cherone d'Extreme pour remplacer Hagar et couper Van Halen III. C'était l'aube de l'ère teen-pop et les groupes de rock des années 70/80 n'étaient déjà pas du tout cool. Pourtant, une autre chanson comme "Right Now" aurait encore pu théoriquement atterrir dans les charts. Mais ils n'avaient pas d'autre "Right Now". Ils avaient des chansons comme "Dirty Water Dog", "Fire in the Hole" et "How Many Say I" qui ont laissé froid même les fans inconditionnels de Van Halen. "Cherone a une vitesse en tant que chanteuse sur III - effort douloureux - et le bassiste de longue date Michael Anthony et le batteur Alex Van Halen sonnent comme s'ils pesaient à n'importe quel tempo", a écrit Greg Kot de Rolling Stone. "Quand le groupe le joue lourd, il s'embourbe dans une fosse à goudron des années 70, avec seulement le refrain de 'Without You' atteignant une sorte de résonance pop." Cherone a quitté le groupe peu de temps après la fin de la tournée Van Halen III. La prochaine fois qu'ils ont tourné, Hagar était de retour devant. C'était comme si Van Halen III n'était jamais arrivé.

Le coup de chance des Grateful Dead en 1987, "Touch of Grey", a présenté leur musique à une toute nouvelle génération de fans et a fait passer le groupe des arènes aux stades de football. Cela aurait dû être un grand moment pour le groupe, mais Jerry Garcia était plongé dans les affres de la toxicomanie et faisait face aux séquelles d'un coma diabétique de cinq jours en 1986 qui a failli mettre fin à sa vie. Avec Arista assoiffé d'un autre "Touch of Grey", le groupe a commencé à travailler sur un autre album au début de 1989, Built To Last. La couverture les montre en train de construire un château de cartes élaboré sur le point de s'effondrer, ce qui est une belle métaphore pour le groupe à ce stade. Les nouvelles compositions de Garcia/Robert Hunter comme "Foolish Heart" et "Standing on the Moon" ne laissent presque aucun impact sur l'auditeur, et les quatre chansons qui présentent le claviériste Brent Mydland au chant principal ne s'en sortent pas mieux. C'est le son d'un groupe usé par les tournées éternelles et fortement dépendant des substances. Mydland est mort d'une overdose de drogue moins d'un an après la sortie de Built to Last. C'était leur dernier disque, et il est connu aujourd'hui en grande partie pour l'ironie tragique de son titre.

La bande originale du film de l'époque de la dépression d'Outkast, Idlewild, a suscité de très bonnes critiques lors de sa sortie en 2006, mais c'est probablement parce que les critiques ne pouvaient même pas concevoir un album de qualité inférieure du duo d'Atlanta après leur incroyable séquence de Southernplayalisticadillacmuzik en 1994 à Speakerboxxx/The Love Below en 2003. C'est l'une des courses les plus impressionnantes de l'histoire du hip-hop. Mais Idlewild est une bête très différente, et pas seulement parce qu'elle intègre du swing, du blues, du jazz et de la soul pour rester dans la période du film. Plus le temps passe, plus il devient clair qu'Idlewild est le produit d'un duo épuisé sur le plan créatif, fatigué de travailler ensemble et désespéré de se séparer. Des invités comme Snoop Dogg, Macy Gray, Lil Wayne et Janelle Monáe tentent d'alléger les choses, mais il n'y a pas une seule chanson ici dans le même univers que "Miss Jackson", "Rosa Parks" ou "BOB" Et même si vous vous êtes forcé à aimer Idlewild en 2006, à quand remonte la dernière fois que vous l'avez mise ? Être honnête.

Willie Nelson est une icône country, mais au fil des décennies, il a expérimenté les standards du blues, du jazz, du folk et de la pop avec plus ou moins de succès. Mais rien ne préparait ses fans à Countryman en 2005, sur lequel il décida de s'attaquer au reggae. Pour être juste, il fait un travail décent avec les chansons de Jimmy Cliff "The Harder They Come" et "Sitting in Limbo". Mais le concept s'effondre totalement sur les redos reggae des originaux de Willie comme "Darkness on the Face of the Earth" et "How Long Is Forever", qui tombent dans un horrible terrain d'entente entre country et reggae où aucun artiste n'avait jamais osé s'aventurer. Toots Hibbert apparaît pour le rejoindre pour une reprise de "I'm a Worried Man" de Johnny Cash, mais même lui ne peut pas sauver ce projet. "La voix de Nelson donne l'impression d'être dans un monde différent de ces morceaux instrumentaux lisses et trop bricolés", a écrit Barry Walters de Rolling Stone dans une critique deux étoiles. "Ne retenez pas votre souffle pour Willie dans Dub."

Il est tentant de dire que REM a perdu sa concentration après que Bill Berry a quitté le groupe en 1996 et qu'ils n'ont jamais fait un autre grand album, mais ce n'est tout simplement pas vrai. Ils ont peut-être cessé d'être une force commerciale, mais des disques comme Accelerate, Reveal, Collapse Into Now et même Up sont des albums stellaires même s'ils n'atteignent pas les sommets absurdes de leurs œuvres précédentes. La seule fois où le groupe a vraiment trébuché, c'était sur Around the Sun en 2004. "The Outsiders", avec Q-Tip de A Tribe Called Quest, vise à reproduire leur collaboration KRS-One de 1991 Out of Time, mais cela semble forcé. "Final Straw" est une protestation noble, bien qu'ennuyeuse, contre la guerre en Irak. Le reste de l'album est simplement paresseux. Et si vous ne nous croyez pas, écoutez le groupe. "[It] n'était tout simplement pas vraiment écoutable", a déclaré Peter Buck en 2008, "parce que ça ressemble à ce que c'est: un groupe de gens qui s'ennuient tellement avec le matériel qu'ils ne peuvent plus le supporter."

Lorsque Metallica était au plus bas en tant que groupe grâce à l'alcoolisme chronique de James Hetfield, à la défection du bassiste Jason Newsted et à l'incertitude quant à leur position dans un univers musical post-Napster, ils ont fait appel à une équipe de tournage pour faire la chronique de la fabrication de leur LP St. Anger. Cela a conduit au documentaire stellaire Some Kind of Monster et à un album profondément décevant. Les fans se fixent à juste titre sur la décision d'utiliser la caisse claire de Lars Ulrich pour donner l'impression qu'il frappe sur une boîte de conserve tout au long de l'album, mais il y a des problèmes plus profonds avec St. Anger. Les chansons sont floues et apparemment inachevées, et les paroles tout droit sorties de la cure de désintoxication ("Je veux que ma colère soit saine") auraient pu faire l'objet de plus de réflexion. Le groupe devient très défensif chaque fois que des fans ou des journalistes soulèvent ces questions, mais leurs listes de sets racontent une histoire différente. Ils ont joué moins de chansons de St. Anger en concert que n'importe lequel de leurs autres albums.

Les Clash sont devenus des stars de la pop improbables en 1982 grâce à MTV et à leurs singles à succès "Rock the Casbah" et "Should I Stay or Should I Go". Mais ils se sont séparés du batteur Topper Headon peu de temps après la sortie de ces chansons en raison de ses problèmes de dépendance, et ils ont renvoyé le guitariste Mick Jones environ un an plus tard en raison de conflits de personnalité. Les membres restants, Joe Strummer et Paul Simonon, ont décidé que cela leur offrait une bonne opportunité : redémarrer le groupe en coupant un album qui les ramènerait à leurs racines punk, bien que le manager Bernie Rhodes ait insisté pour qu'ils superposent des synthétiseurs et des boîtes à rythmes pour un son moderne. Cela a abouti à Cut the Crap, extrêmement compromis, qui n'a pas plu aux fans de New Wave ou de punk. Ils l'appelaient Cut the Crap comme un moyen de renier leur récent passé pop, mais des chansons comme "This Is England" et "Dirty Punk" étaient de pâles imitations de meilleures chansons de l'ère Jones du groupe. Le groupe s'est séparé après la fin de la tournée Cut the Crap.

Le seul album de Genesis après que Phil Collins a quitté le groupe et a été remplacé par le nouveau venu écossais Ray Wilson n'est pas un désastre total. "The Dividing Line" est un excellent morceau de rock progressif; « Not About Us » est une belle ballade ; et "Congo", "Calling All Stations" et "Shipwrecked" ont tous leurs moments. Mais ensuite, il y a des dreck embarrassants comme "Small Talk", "Alien Afternoon" et "Uncertain Weather" qui entraînent le tout dans l'abîme. Sans Collins ou le leader original Peter Gabriel à la barre, c'était un groupe sans leader clair ni sens du but. "Peut-être que l'album aurait pu être meilleur", a admis Wilson à Rolling Stone en 2022. "Nous aurions pu avoir quelques chansons plus fortes sur l'album si nous avions eu un peu plus de temps et travaillé ensemble, peut-être. Mais c'est ce que c'est." Lorsque le disque a explosé, le groupe a renvoyé Wilson et a attendu une autre décennie que Collins revienne pour une tournée de retrouvailles nostalgique. Ils n'ont jamais enregistré une autre note de nouvelle musique.

Les Who sont souvent crédités d'avoir inventé le concept record, mais The Kinks Are the Village Green Preservation Society est sorti six mois avant Tommy. Les Kinks sont devenus plus ambitieux avec Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire) en 1969, et leur concept de préservation au milieu des années 70 était si grandiose qu'il leur a fallu deux records distincts sur deux ans. Mais ils ont heurté un mur avec The Kinks Present a Soap Opera de 1975. Le disque a commencé comme une pièce de théâtre télévisée sur une rock star qui échange sa place avec un type ordinaire afin qu'il puisse ressentir à quoi ressemble la vie de l'autre côté. Il regorge de dialogues distrayants et de chansons qui font avancer l'histoire mais ne font pas grand-chose pour se démarquer par eux-mêmes. "Musicalement, il n'y a pas une mélodie vraiment frappante sur l'album, bien qu'il y en ait beaucoup de fastidieuses, éculées et toutes faites", a écrit John Mendelsohn de Rolling Stone dans une critique brutale. "On pourrait bien entendre cet album comme une collection de chansons que Ray [Davies] n'a pas enregistrées au fil des ans parce qu'il savait qu'il pouvait faire beaucoup mieux. Il a sûrement traité chaque thème représenté ici de manière infiniment plus poignante ailleurs."

Les Monkees ont vu leur popularité chuter en 1968 lorsque leur film psychédélique, Head, a explosé au box-office, leur sitcom NBC a été annulée et Peter Tork a quitté le groupe. Mais ils ont persévéré en tant que trio et ont sorti deux albums solides en 1969, Instant Replay et The Monkees Present, mettant en vedette des joyaux de country rock écrits par Michael Nesmith comme "Listen to the Band" et "Good Clean Fun". Lorsque Nesmith a quitté le groupe au début des années 1970, les membres restants Davy Jones et Micky Dolenz auraient probablement dû l'appeler. Mais ils devaient encore un disque à leur label. Ils ont coupé Changes avec le producteur Jeff Barry et sont revenus à leurs premiers jours où ils ont simplement fourni des voix et laissé les autres gérer tout le reste. Mais des morceaux comme "Ticket on a Ferry Ride" et "Acapulco Sun" manquent de la magie de leurs premiers succès. Le tout sent juste "l'obligation contractuelle", et Jones et Dolenz ont heureusement mis fin au groupe lorsque Changes n'a même pas réussi à faire baisser le palmarès des albums.

Prince était au milieu d'une guerre avec Warner Bros. en 1996, et il leur a donné Chaos and Disorder pour remplir les conditions finales de son contrat. Le dos de l'album comporte cette clause de non-responsabilité : "À l'origine destinée à un usage privé uniquement, cette compilation sert de dernier matériel original enregistré par (The Symbol) 4 Warner Brothers Records." Le livret du CD présente des images d'un billet d'un dollar enroulé dans une seringue et d'un cœur dans les toilettes. Comme on peut l'imaginer, il est difficile de produire de la bonne musique lorsque vous pensez que cela ne profitera qu'à une société maléfique que vous voulez détruire. "Chaos and Disorder se distingue par sa confusion; même le titre admet que les parties fracturées de l'album ne se résolvent jamais en un tout thématique", a écrit Ernest Hardy de Rolling Stone dans une critique dédaigneuse à deux étoiles. "Au mieux, le disque sonne comme une collection de démos raffinées. Le plus souvent, cependant, cela ressemble à l'œuvre d'un imitateur de Prince."

La décision de Lindsey Buckingham de quitter Fleetwood Mac après la sortie de Tango in the Night en 1987 a été un coup dur pour le groupe, mais ils ont pu boiter, couper Behind the Mask des années 1990 et tourner avec succès derrière. Mais les choses se sont compliquées quelques années plus tard lorsque Stevie Nicks a décidé qu'elle voulait aussi sortir. C'était probablement le bon moment pour simplement mettre Fleetwood Mac en pause, mais Mick Fleetwood a décidé d'aller de l'avant en faisant venir Bekka Bramlett – la fille de 27 ans du duo du début des années 70 Delaney et Bonnie Bramlett – pour assumer le rôle de Nicks. De toute évidence, c'était une entreprise désespérément vouée à l'échec. L'album de cette programmation est Time de 1995, qui contient quelques chansons solides de Christine McVie comme "I Do" et "All Over Again". Mais ce n'est que le nom de Fleetwood Mac, et le matériau n'est pas assez solide pour justifier son existence.

Kiss ne savait pas trop quoi faire d'eux-mêmes à l'aube de l'ère MTV. Ils étaient toujours un groupe extrêmement populaire, mais les critiques les méprisaient et beaucoup de leurs fans passaient à de nouveaux groupes. Dans une tentative assez désespérée d'établir une certaine crédibilité, ils ont retrouvé le producteur Bob Ezrin, qui avait dirigé leur meilleur album studio, Destructeur de 1976, et a conçu un disque conceptuel élaboré sur un univers dystopique où un héros courageux ne nommait que le garçon qui combat les forces du mal. Cela semblait être un pari assez sûr puisque Ezrin venait de produire l'opus de 1979 de Pink Floyd, The Wall, mais Kiss n'est pas Pink Floyd. L'album a été réduit en lambeaux par la presse rock, et leurs fans restants l'ont simplement ignoré. Le groupe n'a même pas pris la peine de tourner derrière lui, et un film Elder prévu ne s'est jamais concrétisé. "C'est la seule fois où je dirais que Kiss a succombé aux critiques", a déclaré plus tard Gene Simmons. "Nous voulions un succès critique. Et nous avons perdu la tête."

La carrière solo de Pete Townshend a pris un très bon départ avec sa sortie discrète en 1972, Who Came First, et elle a culminé avec Empty Glass en 1980 et All the Best Cowboys Have Chinese Eyes en 1982. Il y a même de beaux moments dans White City: A Novel de 1985. (Alerte spoiler : ce n'est pas vraiment un roman.) Mais Townshend a heurté un iceberg artistique et a coulé avec Psychoderelict en 1993. C'est un album conceptuel sur une rock star déchue des années 60 qui s'associe à un journaliste musical de tabloïd pour relancer sa carrière. Il y a un dialogue réel de ces personnages entre de nombreuses chansons, et de petits morceaux des classiques de Who "Who Are You" et "Baba O'Riley" éparpillés partout, mais cela ajoute à un gâchis ennuyeux. Pire encore, les chansons ne sont tout simplement pas là. "English Boy" et "Now and Then" ont fonctionné sur scène lorsque Townshend les a dépouillés acoustiquement, mais ils sont enterrés sous des synthés sur l'album. Townshend a tenté de sauver Psychoderelict en le republiant sans aucun dialogue, mais il était trop tard. L'album était une énorme bombe. Cela a également marqué la fin de sa carrière solo.

Aerosmith a lancé un retour extrêmement improbable au sommet du hair metal des années 80, grâce à des écrivains extérieurs et à des chansons comme "Love in an Elevator" et "Rag Doll". Ils sont devenus encore plus populaires à l'ère du grunge grâce à "Cryin", "Crazy", "Living on the Edge" et à l'attrait d'une adolescente Alicia Silverstone. Mais quand est venu le temps de couper Nine Lives en 1997, ils fondaient à cause de batailles avec leur manager, de luttes intestines et de la défection temporaire du batteur Joey Kramer en raison du chagrin causé par la mort de son père. Ils ont également chassé John Kalodner, le wiz A&R de Columbia, même s'il a joué un rôle central dans l'organisation de leur retour. Les résultats ont été des sessions très chaotiques supervisées par le producteur de Journey, Kevin Shirley, et des ballades médiocres comme "Hole in My Soul" et "Falling in Love (Is Hard on the Knees)" qui ressemblaient à de pâles imitations des tubes précédents. Ils ont finalement ramené Kalodner pour essayer de sauver le projet, mais il était trop tard. L'album s'est encore relativement bien vendu, et ils l'ont suivi quelques années plus tard avec le hit numéro un "I Don't Want to Miss a Thing", mais Nine Lives a terriblement vieilli. Si vous doutez de nous, essayez "Ain't That a Bitch" ou "Taste of India".

Devo n'avait que 10 ans d'écart avec "Whip It" lorsqu'ils ont commencé à travailler sur Smooth Noodle Maps des années 1990, mais cela a dû sembler une éternité. Leur incapacité à marquer un autre hit radio ou à trouver une véritable traction à l'ère MTV leur a coûté leur contrat avec Warner Bros. L'album de 1988 du groupe, Total Devo, n'a pas dépassé le numéro 189, et la plupart des fans savaient à peine qu'il existait. Ils ont essayé une fois de plus avec Smooth Noodle Maps, mais ils étaient tellement découragés par ce point qu'ils ont appelé l'une des chansons "Devo Has Feelings Too". L'album a tenté d'infuser la musique de Devo avec des éléments de dance-pop contemporaine, mais cela n'a tout simplement pas fonctionné. Pour preuve, découvrez leur version terne du classique folk de Bonnie Dobson "Morning Dew". Mark Mothersbaugh consacrait déjà une grande partie de son temps à des projets télévisés et cinématographiques lorsque Devo a enregistré ce disque, et il semble que son esprit était clairement ailleurs. L'album n'a même pas atteint les palmarès des albums, et ils n'en tenteront pas un autre avant 2010.

Liz Phair a été mise dans une position très inconfortable lorsque la centrale indépendante Matador a été engloutie par Capitol à la fin des années 90. Tout à coup, l'auteur-compositeur-interprète indépendant derrière des œuvres vénérées comme Exile in Guyville et Whip-Smart était sur un label majeur. Ils ne se souciaient pas des éloges de la critique. Ils voulaient juste des tubes. Sentant qu'elle n'avait pas d'autre choix, Phair a fait appel à l'équipe de composition et de production The Matrix. Ils venaient de travailler avec Avril Lavigne sur ses succès révolutionnaires "Complicated" et "Sk8er Boi" et continueraient à travailler avec Britney Spears, Shakira et Ricky Martin. Pour le moins, c'était un ajustement moins que parfait. "C'est triste qu'un artiste aussi révolutionnaire que Phair soit réduit à des cascades publicitaires bon marché et à une pop adolescente hyper-commercialisée", a écrit Pitchfork dans une critique 0.0 star si cinglante qu'ils ont fini par s'excuser. "Mais alors, c'est" l'album qu'elle a toujours voulu faire "- un dans lequel toutes ses bizarreries et ses limites sont absorbées dans des clichés éprouvés, et finalement, un qui peut aussi bien ne pas exister."

Weezer a fait pas mal de faux pas créatifs depuis sa réapparition au tournant du millénaire avec le Green Album, mais au moins les défauts d'albums comme OK Human, le Black Album et Pacific Daydream souffrent des défauts de Weezer seul ou d'auteurs-compositeurs extérieurs qui partagent l'esthétique de Weezer. Sur Raditude en 2009, ils ont fait venir le Dr Luke, Lil Wayne, Jermaine Dupri et d'autres de loin en dehors du monde du groupe dans une tentative transparente de revenir dans le Top 40 de la radio. « (If You're Wondering If I Want You To) I Want You To » – co-écrit par Butch Walker – donne à l'album un début étonnamment décent, mais il s'effondre une fois que le Dr Luke rejoint la fête pour « I'm Your Daddy » et s'enfonce dans l'abîme lorsque Lil Wayne et Dupri entrent en scène pour « Can't Stop Partying ». Être un fan inconditionnel de Weezer implique de trouver des choses à détester dans presque tous les albums qu'ils font, mais le groupe n'a jamais donné à ses followers autant de munitions à utiliser contre eux.

En 1978, les Bee Gees et Peter Frampton ont appris à leurs dépens avec leur version cinématographique de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band qu'un film sur le thème des Beatles rempli de classiques Fab Four réenregistrés est une très, très mauvaise idée. Mais à peine six ans plus tard, Paul McCartney pensait que cela pourrait fonctionner si un vrai Beatle chantait et jouait. Il avait tort. Dans Give My Regards to Broad Street, McCartney joue une version Bizarro Land de lui-même essayant de retrouver des bandes maîtresses volées pour un album. De temps en temps, il se retrouve avec son vieil ami Ringo, ou fait un rêve très, très ennuyeux qui semble ne jamais se terminer. La bande originale comprend des versions refaites de "Yesterday", "Good Day Sunshine", "Here, There and Everywhere" et d'autres morceaux des Beatles. Le problème est que personne ne demandait une telle chose. Vous ne pouvez pas améliorer les originaux, surtout avec les méthodes de production de 1984. Le tout n'est qu'un gâchis terriblement égaré qui n'a aucune raison terrestre d'exister.

Joni Mitchell a réuni une impressionnante gamme de collaborateurs pour son LP de 1985, Dog Eat Dog, dont Thomas Dolby, Michael McDonald, Don Henley, Wayne Shorter, Steve Lukather et James Taylor, mais leurs efforts collectifs s'ajoutent à un LP générique de synth-pop qui ne fait pas grand-chose pour se distinguer. Mitchell s'en prend à Ronald Reagan, aux télévangélistes et à la cupidité des entreprises, mais les chansons sont gâchées par la production antiseptique des années 80 et sa décision déroutante de ne jouer aucune guitare. "Il est décevant qu'après un silence de trois ans, ses critiques sociales ne soient que le genre d'homélies libérales sans effusion de sang que vous attendez de Rush", a écrit Rob Tannenbaum dans Rolling Stone. "Si Joni veut aller au-delà des fidèles qui achèteront ce LP pour garder leurs collections complètes, pourquoi Dog Eat Dog est-il une écoute si désagréable?"

Les 10 ans entre leur classique de 1971 At Fillmore East et Brothers of the Road ont dû sembler une éternité pour le Allman Brothers Band, en raison des décès consécutifs du guitariste Duane Allman et du bassiste Berry Oakley, et de la rupture et de la réunion du groupe qui a suivi. Ils étaient encore dans une forme délicate en 1981, perdant un membre clé grâce à la défection du batteur Jaimoe, et pourtant Clive Davis pensait qu'ils étaient en mesure de produire des singles à succès pour Arista. Cela explique l'éclat brillant de Brothers of the Road et l'absence de leur attaque de guitare jumelle. "Plus que tout autre LP portant le nom des Allman Brothers, Brothers of the Road est orienté singles", a écrit Robert Palmer dans Rolling Stone. "L'interaction à deux guitares du groupe a été réduite à un remplissage laconique sur la plupart des pistes, et il n'y a pas non plus de numéros de raveup instrumentaux familiers du groupe." En d'autres termes, c'était un groupe en crise d'identité essayant en vain de s'adapter à une nouvelle ère musicale. Cela n'a pas fonctionné.

Run-DMC est sans aucun doute l'un des groupes les plus importants de l'histoire du rap, et leurs quatre albums Eighties sont pratiquement sans défaut. Mais le monde du hip-hop a subi des changements sismiques dans les années 90 grâce à Public Enemy, NWA, Jay-Z et Eminem, et Run-DMC semblait être des reliques d'un passé lointain, malgré des disques comme Back From Hell des années 1990 et Down With the King de 1993, où ils ont fait de leur mieux pour suivre les tendances. En 2001, ils ont décidé que le seul moyen de conquérir le public de TRL était d'amener Fred Durst, Sugar Ray, Kid Rock, Overland, Fat Joe, Method Man et Stephan Jenkins en studio. Il y a un invité sur presque tous les morceaux de Crown Royal, mais personne ne voulait entendre le mec de Third Eye Blind chanter avec Run-DMC. L'album a été une bombe colossale, et le groupe s'est terminé tragiquement l'année suivante lorsque Jam Master Jay a été assassiné.

La production de Madonna, de son premier album de 1983 jusqu'à Music des années 2000, est l'une des séries les plus impressionnantes de l'histoire de la musique pop. Elle a subi des changements stylistiques à la Bowie avec pratiquement tous les albums, mais est toujours restée au fait des tendances et n'a jamais perdu sa capacité à générer des succès. Tout cela s'est arrêté brutalement en 2003 avec American Life. Sorti des semaines après le début de la guerre en Irak, l'album trouve Madonna confrontée à un monde post-11 septembre et à un désir d'aller au-delà des désirs narcissiques. "J'avais l'habitude de vivre dans une petite bulle", chante-t-elle sur "I'm So Stupid". "Et je voulais être comme toutes les jolies personnes qui m'entouraient/Mais maintenant je sais avec certitude que j'étais stupide." Ce sont de nobles sentiments, mais la musique est venue à un moment où elle apprenait à jouer de la guitare et du rap. Ses compétences dans les deux domaines étaient plutôt rudimentaires, et sa décision de travailler avec le producteur de techno français Mirwais Ahmadzaï (qui avait été à bord pour le plus réussi de la musique) a ajouté un autre élément qui a rendu l'ensemble du projet désespérément confus alors que ce n'était pas juste carrément embarrassant. Le monde en 2003 avait peu d'utilité pour Madonna la rappeuse. Lorsqu'elle est revenue à la musique de danse pour Confessions on a Dance Floor en 2005, c'était une reconnaissance tacite qu'elle avait fait une horrible erreur.

Neil Young a entrepris de nombreux projets ambitieux au fil des ans, mais aucun n'est aussi grandiose que sa tentative de débarrasser le monde du moteur à combustion interne en convertissant sa Lincoln Continental de 1959 en un véhicule entièrement électrique, créant ainsi un modèle pour les constructeurs automobiles du monde entier. Il était difficile de le faire parler d'autre chose à l'époque, et il a fait un album entier sur l'effort avec des chansons comme "Fuel Line", "Off the Road" et "Hit the Road" qui commencent rapidement à se confondre. Le point bas est "Cough Up the Bucks", où il s'attaque à la cupidité des entreprises. "Tout tourne autour de ma voiture", chante-t-il. "Toussez l'argent / Toussez l'argent / Tout tourne autour de ma voiture / Toussez l'argent / Toussez l'argent." Lorsqu'il l'a joué lors d'un concert notoirement long au Madison Square Garden en 2008, avec huit chansons de l'album et une sortie, une poignée de personnes se sont littéralement endormies.

Lil Wayne est un génie du hip-hop. Mais il a appris à ses dépens avec Rebirth en 2010 que ses compétences ne se transféraient pas dans le monde du rock and roll. Il sortait d'une longue séquence de victoires avec trois albums consécutifs de Tha Carter et avait été partout dans le Top 40 des radios avec des succès comme "Lollipop" et "Got Money". Cela ne signifiait pas pour autant que ses fans voulaient entendre à quoi il ressemblerait avec des guitares rock et une batterie, même si Eminem et Nicki Minaj étaient de la partie. "Il bredouille et gémit sur des morceaux remplis de piétinement agressif et de riffs fades", a écrit Christian Hoard de Rolling Stone. "On dirait qu'il s'est enfermé avec un tas de disques Spymob et Incubus. Wayne grogne comme un Kid Rock Auto-Tuned sur le fanfaron 'American Star'. Mais l'hyper intelligent Wayne que nous connaissons manque à l'appel sur le batteur de poitrine angoissé 'Runnin'. Il étend son coassement au-delà du point de rupture sur "Je mourrai pour toi", comme une version du 21e siècle de Neil Young de l'ère Trans : un génie vocal coincé dans les limbes."

Cheap Trick a produit de très bons albums au début des années 80, mais aucun de leurs singles n'a atteint le Top 40, et la patience de leur label Epic a commencé à s'épuiser. En 1986, ils ont fait appel au producteur Tony Platt dans le but de créer un disque au son plus moderne. Cela signifiait, bien sûr, des couches de synthés ringards et de batterie électronique sur chaque piste. L'impulsion est compréhensible puisque Don Henley, Steve Winwood, Elton John, Rod Stewart et d'autres stars des années 70 marquaient des succès massifs en utilisant la même formule, mais cela n'a tout simplement pas fonctionné pour Cheap Trick. Ils n'avaient pas une seule nouvelle chanson accrocheuse à enregistrer, et il ressort clairement de points bas comme "The Doctor", "Rearview Mirror Romance" et "Kiss Me Red" que leur cœur n'était pas du tout dans ce projet. Ils ne touchent presque jamais aucune des chansons en concert, et la seule vraie raison de jouer The Doctor aujourd'hui est d'entendre à quel point un disque "moderne" pouvait sonner merdique en 1986.

Les Doors étaient encore jeunes lorsque Jim Morrison mourut à Paris en 1971. Ils étaient également plongés dans une collection de chansons qu'ils espéraient enregistrer avec lui à son retour aux États-Unis. Ils ont donc terminé ce qu'ils avaient en trio et l'ont sorti en tant que nouvel album des Doors, Other Voices, avec Ray Manzarek et Robby Krieger partageant les tâches de chant principal. Ils auraient probablement dû arrêter une fois qu'il était devenu clair que le public n'avait aucun intérêt pour un Doors sans Morrison, mais ils ont réussi à enregistrer un autre album, Full Circle en 1972. C'est un étrange mélange de R&B, de jazz, de psychédélisme et de rock qui ne se fige jamais en quelque chose d'original. Il y a aussi une reprise déroutante de "Good Rocking Tonight" qu'ils ont renommé "Good Rockin'". Rien de tout cela ne fonctionne. Le groupe a pris la décision logique de se dissoudre peu de temps après la sortie de Full Circle, et ils l'ont gardé épuisé pendant plusieurs décennies. Peu de fans se sont plaints.

Douze ans après Tapestry, Carole King retrouve l'équipe de production de Lou Adler, le batteur Russ Kunkel et le guitariste Danny Kortchmar pour un nouvel album. Mais au lieu de créer une autre collection intemporelle de chansons, ils ont essayé de rivaliser avec les groupes New Wave du début des années 80. L'album commence par le gémissant "Computer Eyes" ("Don't want to program making love/ I like it real and with feeling") et ne fait qu'empirer à partir de là, y compris un remake inutile de "Crying in the Rain", une chanson qu'elle a écrite pour les Everly Brothers deux décennies plus tôt. L'album n'est même pas entré dans les charts, une première pour King, et il faudra encore six ans avant qu'elle n'en tente un autre.

La décision de faire entrer Paul Rodgers dans Queen avait un certain sens en 2005. Le guitariste Brian May et le batteur Roger Taylor avaient désespérément besoin d'un chanteur, et Rodgers était sans groupe depuis que Bad Company était en pause. Unir leurs forces a été l'occasion d'assembler un spectacle de stade de grande taille qui mélangeait les classiques de Queen avec les standards de Rodgers comme "All Right Now" et "Feel Like Makin' Love". "Il était son propre homme", a déclaré Taylor une fois le partenariat terminé. "Il appartenait au domaine du blues-soul, où il n'y avait pas mieux. Notre truc est un peu trop éclectique, probablement." C'est une façon polie de dire qu'il ne pouvait pas chanter de manière convaincante "Bohemian Rhapsody" sans que tout cela ne paraisse ridicule. Mais ils n'étaient pas tout à fait parvenus à cette conclusion en 2008 lorsque Queen + Paul Rodgers sont entrés en studio pour graver The Cosmos Rocks. "Sous le commandement de Rodgers, Cosmos Rocks évoque une séquence immémoriale de radio en voiture, avec des chansons lentes comme 'Say It's Not True' rappelant Air Supply", a écrit Christian Hoard de Rolling Stone. "Les clichés du rock classique ne sont pas tous de la faute de Rodgers : les membres originaux du groupe ont aidé à écrire des morceaux comme" Still Burnin ", un jam générique de groupe de bar agrémenté de châtaignes lyriques comme" la musique fait tourner le monde ". " Le groupe s'est séparé de Rodgers peu après The Cosmos Rocks. Ils s'en sont bien mieux sortis avec Adam Lambert à la tête du groupe, mais ils n'ont pas encore enregistré de nouvelle musique. Peut-être ont-ils appris leur leçon avec The Cosmos Rocks.

Au début des années 80, George Harrison était un musicien semi-retraité dont les principaux intérêts étaient la course automobile et la production de films. Mais il devait à Warner Bros. un dernier album sur son contrat avant de pouvoir se consacrer à plein temps à ces activités. Le résultat a été Gone Troppo, un disque extrêmement stupide conduit par des synthés et des chansons légères et pop comme "Wake Up My Love" et "That's the Way It Goes" qui sont allées et venues sans que la plupart des fans se rendent compte qu'elles existaient. "Si désinvolte et aéré qu'il est totalement insubstantiel", a écrit Steve Pond dans une critique deux étoiles de Rolling Stone, "le LP est composé de chansonnettes jetables, de fragments instrumentaux et de chansons d'amour stéréotypées." Harrison a passé la demi-décennie suivante hors de la grille musicale, mais est revenu fort en 1987 grâce au producteur Jeff Lynne, leur reprise de "I Got My Mind Set on You" et la formation des Traveling Wilburys. À ce stade, Gone Troppo était une note de bas de page oubliée.

Il n'est pas facile de choisir le pire album de Lou Reed étant donné que c'est l'homme qui nous a donné Metal Machine Music, Sally Can't Dance et Lulu, mais nous avons finalement opté pour Mistrial de 1986. Le raté colossal est survenu après une série d'albums solides au début des années 1980 et n'a pas réussi à générer quoi que ce soit ressemblant à un hit. Reed avait essayé d'opter pour un son plus commercial sur son album précédent, New Sensations de 1984, et cela avait plutôt bien fonctionné. Mistrial avait aussi un son moderne. Cette fois-ci, cependant, les chansons qu'il venait tout simplement de sucer. Pire encore, il pensait que le monde était prêt à l'entendre rapper sur (gémissement) "The Original Wrapper". "Blanc contre blanc, noir contre juif", rappe-t-il. "On dirait qu'on est en 1942/Le bébé est assis devant MTV/Regarde des fantasmes violents/Pendant que papa boit de la bière avec son sport préféré." Ailleurs sur le disque, il se balance contre des films violents et finit par ressembler à un membre du PMRC conservateur. "En bas du bloc dans un théâtre local", chante-t-il. "Ils saisissent leurs entrejambes lors de la 13e décapitation/Alors que les morts ressuscitent, les vivants coulent pour mourir/Les courants sont profonds et font rage à l'intérieur." Reed a rebondi en 1989 avec New York, laissant à Mistrial l'un des albums les plus oubliés de son catalogue notoirement inégal.

David Bowie a connu une séquence froide créative majeure au lendemain de son succès de 1983, Let's Dance, crachant des albums de qualité inférieure comme Tonight et les deux sorties de Tin Machine qui ont laissé même ses fans les plus hardcore extrêmement déçus. Mais le point bas évident était Never Let Me Down de 1987. "Mon nadir était Never Let Me Down", a-t-il déclaré en 1995. "C'était un album tellement horrible. Je n'aurais vraiment pas dû prendre la peine d'aller en studio pour l'enregistrer. En fait, quand je le joue, je me demande si je l'ai fait parfois." Le disque est une vitrine des horribles choix de production des années 80. Bowie n'a jamais joué une seule chanson de Never Let Me Down en concert après la tournée initiale, et il a complètement retravaillé "Time Will Crawl" avec une batterie live et une instrumentation moderne lorsqu'il a assemblé la compilation 2008 iSelect. "Oh", a-t-il écrit dans les notes de la pochette, "pour refaire le reste de cet album". Deux ans après sa mort, le producteur Mario McNulty a fait exactement cela pour un coffret du travail des années 80 de Bowie.

Peu de temps après que le directeur musical Tony DeFries se soit séparé de David Bowie, il a rencontré un enfant de l'Indiana nommé John Mellencamp avec des rêves de célébrité et plusieurs années derrière lui sur le circuit des bar-bands. Il l'a renommé Johnny Cougar, a conclu un accord avec MCA et a produit un disque rempli de reprises comme "Oh, Pretty Woman" et "Jailhouse Rock". Il a également déclaré à la presse qu'il avait découvert un nouveau Bruce Springsteen. Les critiques n'étaient pas d'accord. "Johnny Cougar est un chanteur comique incompétent qui se prend malheureusement au sérieux", a écrit John Swenson dans une critique brutale de Rolling Stone. "Son premier album est plein de postures ridicules sans rien pour le soutenir… juste un autre jetable pop prêt à l'emploi." L'album n'a même pas atteint le Billboard 200, MCA l'a rapidement laissé tomber et il est retourné dans l'Indiana en pensant qu'il avait raté sa chance de réussir. Les choses ont changé quelques années plus tard lorsqu'il a déménagé à Londres et a marqué un tube avec "I Need a Lover".

Michael Jackson avait peu d'utilisation artistique ou commerciale pour ses frères dans les années 80, mais il se sentait obligé de les rejoindre pour la victoire décevante de 1984. Il les a même amenés sur la route en 1984 alors que, selon toute logique, il aurait dû jouer dans les stades en solo. Quand est venu le temps de couper 2300 Jackson St. en 1989, Michael n'était pas disposé à contribuer autre chose que la voix à la chanson titre douloureusement sucrée. Le reste a été géré par ses frères et des collaborateurs de premier ordre comme Diane Warren, Babyface et Teddy Riley. Malgré quelques moments décents comme "Nothin '(That Compares 2 U)", rien ici n'a même ébranlé la conscience du public. Les Jacksons se sont séparés à la suite de leur échec, ne se reformant que pour le concert occasionnel des anciens.

Stephen Stills avait de bonnes raisons d'essayer de relancer sa carrière solo en 1984. Cela avait été quelques années très cahoteuses pour Crosby, Stills et Nash, grâce aux problèmes de dépendance et aux problèmes juridiques de David Crosby qui allaient bientôt conduire le chanteur dans une prison du Texas. Malgré tout cela, le morceau CSN écrit par Stills "Southern Cross" était un véritable succès en 1982. Mais il n'avait tout simplement pas un autre "Southern Cross" dans sa poche lorsqu'il est entré en studio pour couper Right By You. Ce qu'il avait était une collection de chansons de qualité inférieure comme "50/50", "Stranger" et "No Problem" qui ne pouvaient même pas être améliorées par le guitariste invité Jimmy Page. Le point bas arrive vers la fin lorsqu'il s'attaque à l'acoustique "Only Love Can Break Your Heart" de Neil Young et à des couches sur des synthés, des boîtes à rythmes et un soupçon de reggae. Le résultat final est presque un acte de violence contre l'une des plus belles chansons de son ami.

Elton John était un accident de train absolu en 1986. Il était désespérément accro à la cocaïne, aux prises avec des problèmes vocaux majeurs dus à des polypes sur ses cordes vocales, et piégé dans un mariage sans amour avec l'ingénieur du son Renate Blauel. Il n'était pas en état d'enregistrer un nouvel album, mais il en battait un par an comme sur des roulettes à cette époque, peu importe ce qui se passait dans sa vie. Celui-ci, cependant, était son premier single sans Top 40 depuis le début des années 70. C'est parce qu'il n'y a pas une mélodie ou un crochet mémorable sur l'ensemble du disque, et la production est horrible même selon les faibles standards de 1986. "Leather Jackets a beaucoup de chansons horribles dessus, et il y a un travail très inégal dans les années 80 et 90 en raison du fait que je ne me concentrais pas sur ce que je faisais ", a-t-il déclaré en 2001. "Et à cause de la drogue, bien sûr." Il l'a appelé le pire album de son catalogue à plusieurs reprises, même si son partenaire d'écriture Bernie Taupin diffère. "Je pense qu'il y a en fait quelques bonnes chansons là-dedans", a-t-il déclaré à Rolling Stone en 2013. "Je ne pense certainement pas que ce soit le point bas." Désolé Bernie. Nous allons aller avec Elton sur celui-ci.

Van Morrison a toujours été un excentrique, mais il est passé sur le territoire des trolls de droite dans le dernier projet de disque de 2021, volume 1. Les grooves de John Lee Hooker." Ce n'est pas une faute de frappe. Il y a 28 chansons sur deux disques et 127 minutes interminables, avec des titres comme « Stop Bitchin, Do Something », « Why Are You on Facebook ? » et « They Own the Media ». (Qui sont exactement les « ils » auxquels vous faites référence ici, Van ?) Malheureusement, la musique est aussi paresseuse que sa pensée. Nous nous sentirions presque mal pour le gars s'il n'utilisait pas son art pour diffuser des messages dangereusement stupides sur les vaccins. Espérons juste qu'il n'y aura pas de tome 2 à un moment donné. Nous n'avons pas besoin d'entendre le point de vue de Van sur Hunter Biden.

Les Beach Boys ont peut-être été séparés de Brian Wilson lorsqu'ils ont sorti Summer in Paradise en 1992, mais ils avaient un sens renouvelé grâce à leur tube "Kokomo" quatre ans plus tôt. Mike Love a décidé qu'ils devraient faire un album pour servir de "bande originale par excellence pour l'été", alors ils ont mélangé des reprises de vieux succès comme "Surfin '" et "Forever" avec des reprises comme "Hot Fun in the Summertime" de Sly and the Family Stone et "Remember (Walking in the Sand") des Shangri-Las. Le tout est aussi inutile que cela puisse paraître, et cela ne s'améliore certainement pas lorsque John Stamos apparaît pour chanter les parties de Dennis Wilson sur "Forever". En escomptant leur effort de croisement de pays de 1996 Stars and Stripes Vol. 1 – qui est la définition de discount – ils n'essaieraient même pas un autre album approprié avant That's Why God Made the Radio en 2012.

À certains égards, il est facile d'avoir de la sympathie pour la section rythmique Creedence de Doug Clifford et Stu Cook. Regarder son coéquipier John Fogerty écrire et produire toutes leurs chansons originales a dû être profondément frustrant. Dans l'esprit du public, ils sont devenus ses simples musiciens de secours même si le groupe travaillait ensemble depuis le lycée. Mais la triste vérité à ce sujet est que Fogerty est brillant pour écrire des chansons, et ce n'est pas le cas. Cela est douloureusement évident sur le LP Mardi Gras du groupe en 1972, où Fogerty a accepté de leur donner une chance d'écrire, de chanter et de produire. Jon Landau a parlé au nom de nombreux critiques lorsqu'il a écrit que c'était "le pire album que j'aie jamais entendu d'un grand groupe de rock". Ils ont rompu peu de temps après le flop. Lorsque Clifford et Cook sont revenus ensemble en 1995 sous le nom de Creedence Clearwater Revisited, sans leur ancien leader, ils n'ont pas inclus une seule chanson de Mardi Gras dans leur spectacle. Il s'avère que fonder tout le répertoire d'un groupe sur la musique de Fogerty n'était pas une si mauvaise idée après tout.

Au plus fort de la toxicomanie de David Crosby au début des années 80, Neil Young a promis qu'il accepterait un nouvel album de CSNY si Crosby nettoyait sa vie. Il a fallu un séjour en prison à Croz pour abandonner son habitude de base libre, mais Young a tenu parole lorsqu'il a été libéré. Le problème est que Crosby, Stills et Nash étaient dans une accalmie d'écriture de chansons depuis des années et n'avaient pas d'autre série de morceaux comme "Wooden Ships" ou "Teach Your Children" sous la main. Young, quant à lui, gardait ses meilleures chansons pour ses disques solo et leur donnait des trucs comme "This Old House" et "American Dream". Stills and Young a tenté de relancer leur partenariat d'écriture de chansons de l'époque de Buffalo Springfield sur "Got It Made" et "Night Song", mais la magie des années 60 avait disparu. L'album était un raté total, et ils n'ont même pas tourné derrière. Quand ils ont finalement pris la route en 2000, ils n'ont pas joué une seule chanson d'American Dream. À ce stade, c'était une note de bas de page à moitié oubliée de leur longue saga.

En 1963, Meet the Beatles, The Freewheelin' Bob Dylan et les premiers singles des Rolling Stones sont sortis. Elvis Presley, quant à lui, était à Acapulco en train de tourner un autre film, Fun in Acapulco. Dans celui-ci, Elvis joue un sauveteur (qui chante, bien sûr) pris dans une rivalité avec un autre sauveteur. Selon les normes basses des films d'Elvis, il est semi-regardable. C'était aussi un succès. La bande-son rapide est une autre histoire. À une époque où Elvis devait améliorer son jeu pour rivaliser avec une nouvelle génération de rock stars, il chantait "The Bullfighter Was a Lady", "(There's) No Room to Rhumba in a Sports Car" et "You Can't Say No in Acapulco". Il est très difficile de trouver un point bas de la carrière d'enregistrement de Presley car il y en avait tellement, mais de nombreux vrais aficionados d'Elvis pointent vers cet album, et avec raison.

D'un point de vue strictement historique, Unfinished Music No. 1 : Two Virgins est un album extrêmement important. Le LP de 1968 a marqué le début de la carrière solo de John Lennon et de sa collaboration créative avec Yoko Ono, tout en offrant une fenêtre sur leur monde privé. L'image nue de Lennon et Ono sur la couverture a indigné la droite religieuse et a contribué à générer une tonne d'attention pour un magazine rock naissant appelé Rolling Stone lorsque la publication l'a mise en couverture. D'un point de vue musical, cependant, Unfinished Music No. 1: Two Virgins est douloureusement ennuyeux et généralement inutile. Les deux côtés de 14 minutes se composent de petits mais inaudibles morceaux de dialogue parlé, de boucles de bande, d'effets sonores et de gémissements d'Ono. Il n'y a presque rien de musical à ce sujet, et parcourir les 28 minutes complètes est un travail brutal. Deux ans plus tard, John Lennon/Plastic Ono Band est sorti sur les tablettes. C'est l'opposé polaire de Unfinished Music No. 1: Two Virgins de toutes les manières imaginables. Autrement dit, c'est parfait.

Forbidden est un disque de Black Sabbath dans le sens le plus vague possible. Le guitariste Tony Iommi était le seul membre restant à ce stade, et même les membres des derniers jours comme Ronnie James Dio sont introuvables. Le groupe était essentiellement dans le désert depuis une décennie à ce stade, et leur label les a convaincus qu'Ice-T pourrait entrer en studio et rendre le groupe à nouveau branché et moderne. "Il nous a été vendu qu'Ice-T allait produire", a déclaré le bassiste Neil Murray à Rolling Stone en 2021. "Et puis il s'est avéré que c'était son guitariste [Ernie C] de Body Count. Je ne pense pas que quiconque ait vraiment pensé qu'il avait apporté des idées appropriées à la production ou comment le mix s'est terminé. Nous avons été plutôt déçus. Cela leur a donné trop de munitions sur la façon dont l'album sonnait. Le groupe n'en était pas content, et personne d'autre ne l'était non plus. Lorsque l'album a fait le plein de fans et de critiques, Iommi n'a eu d'autre choix que de réunir la formation d'Ozzy Osbourne et de faire comme si toute l'affaire Ice-T ne s'était jamais produite.

Les aficionados de Dylan se disputent depuis des décennies pour savoir s'il a atteint ou non le nadir de son funk créatif des années 80 sur Knocked Out Loaded en 1986 ou Down in the Groove en 1988. C'est certainement un appel serré, mais Knocked Out Loaded a un chef-d'œuvre certifiable : sa collaboration épique avec Sam Shepard "Brownsville Girl". Down in the Groove, quant à lui, n'a pas un seul moment de rédemption. C'est une collection raide et sans vie de reprises ("Rank Strangers to Me", "Shenandoah"), de collaborations avec le parolier de Grateful Dead Robert Hunter ("Silvio", "Ugliest Girl in the World") et d'originaux ("Death Is Not the End", "Had a Dream About You, Baby") qui sont gâchés par des sons ringards de batterie et de synthés des années 80 et un sentiment général d'extrême paresse. Eric Clapton, Bob Weir, Jerry Garcia, Mark Knopfler et Paul Simonon des Clash se joignent aux festivités, mais même leur pouvoir de star collectif ne peut pas sauver ce désastre. Quelques jours après sa sortie, cependant, Dylan a commencé sa tournée sans fin. Ce fut une expérience rajeunissante qui signifiait que nous n'aurions plus jamais eu un album aussi horrible que Down in the Groove, même s'il s'en est approché assez près avec Under the Red Sky des années 1990.

Pantera est sans aucun doute l'un des plus grands groupes de métal de son époque. Ce que beaucoup de gens ne réalisent pas, cependant, c'est qu'ils étaient l'un des pires groupes de métal d'une époque antérieure. Si vous avez besoin d'être convaincu, jetez un coup d'œil à leur premier album de 1983, LP Metal Magic, où ils sonnent comme un groupe de cheveux générique de la liste B. Pour être juste, Dimebag Darrell et Vinnie Paul étaient encore adolescents lorsqu'ils ont réalisé cet album, et il a été produit par leur père, le chanteur country Jerry Abbott. Ils n'avaient pas non plus uni leurs forces avec le leader Phil Anselmo. Son prédécesseur, Terry Glaze, est un aspirant désespéré de Paul Stanley. Ceci n'a de Pantera que le nom, mais il compte toujours comme un véritable album de Pantera. Et c'est absolument horrible.

À la fin des années 80, les prog-rockers Yes s'étaient séparés en deux versions rivales du groupe au bord d'une bataille judiciaire très coûteuse. Il y avait le "Owner of a Lonely Heart" Yes avec le batteur Alan White, le bassiste Chris Squire, le claviériste Tony Kaye et le guitariste Trevor Rabin, et il y avait le retour des années 70 Yes avec le batteur Bill Bruford, le claviériste Rick Wakeman, le guitariste Steve Howe et le chanteur Jon Anderson. Ils ont finalement réalisé qu'un Oui divisé contre lui-même ne pouvait pas tenir, et ils se sont formés en une version singulière de Super Yes et ont réservé une tournée d'arène. Ils ont également décidé de couper un album. "Le problème était que nous étions aux trois quarts d'un album", a déclaré Wakeman à Rolling Stone en 2019. "Ils étaient aux trois quarts d'un album. L'album a donc été donné à un gars qui ne devrait même pas avoir droit à un mixeur, encore moins un album. Il a fait le travail le plus épouvantable sur l'album Union." Une partie de ce "travail épouvantable" consistait à faire venir des musiciens de studio anonymes même s'il s'agissait d'un groupe composé de deux guitaristes, de deux batteurs et de deux claviéristes. "Je l'ai appelé l'album Onion", a déclaré Wakeman, "parce qu'il m'a fait pleurer."

Le Velvet Underground n'était un groupe que de nom lorsqu'ils ont sorti Squeeze au début de 1973. Les quatre membres originaux du groupe new-yorkais extrêmement influent étaient partis un par un au cours des dernières années en raison de tensions internes et de l'échec du groupe à avoir ne serait-ce qu'un tout petit peu de succès commercial. C'était probablement le bon moment pour arrêter, mais le manager Steve Sesnick a eu l'idée dérangée qu'ils pourraient d'une manière ou d'une autre aller de l'avant avec le bassiste Doug Yule – qui a remplacé le membre fondateur John Cale en 1968 – prenant la relève en tant que leader. Yule était un véritable atout lorsqu'ils ont enregistré The Velvet Underground en 1969 et Loaded en 1970, mais sur ces disques, il avait toujours Lou Reed pour écrire toutes les chansons et chanter la grande majorité d'entre elles. Avec Reed hors de vue, Yule a dû tout gérer lui-même. Selon ses propres mots, c'était comme "l'aveugle guidant l'aveugle". Squeeze aurait peut-être été OK en tant qu'effort solo de Doug Yule, mais en tant qu'album de l'un des plus grands groupes de rock de tous les temps ? Définitivement pas. Cela a cependant inspiré un groupe britannique parvenu dirigé par Glenn Tilbrook et Chris Difford à s'appeler Squeeze. À bien des égards, c'est son plus grand héritage.

Les cinq dernières années de la vie de Kanye West ont été si incroyablement tristes et autodestructrices, culminant avec une horrible série d'interviews à la fin de 2022 où il a fait l'éloge d'Hitler et défendu les nazis, que ses albums récents ont presque été une réflexion après coup pour la plupart des gens. Ce sont certainement les pires œuvres de sa carrière, et il serait facile de choisir Jesus Is King ou Donda comme le moment le plus bas. Mais nous allons avec Ye de 2018 car il marque le début de l'effondrement artistique et personnel le plus désastreux de l'histoire de la musique populaire. En seulement 23 minutes, l'album chaotique et à moitié cuit a été coupé dans le Wyoming juste au moment où il a dit à TMZ que l'esclavage était un "choix" et a commencé à porter un chapeau MAGA en public. Le tumulte suscité par sa remarque sur l'esclavage l'a amené à retravailler de nombreuses paroles de Ye pendant deux semaines frénétiques peu de temps avant la sortie de l'album, ce qui explique des chapes comme "Imaginez s'ils m'ont attrapé un jour sauvage / Maintenant, je suis sur 50 blogs recevant 50 appels / Ma femme appelle, crie, dit:" Nous sommes sur le point de tout perdre. n'a jamais rendu la musique moins vitale que cela.