Les films de guerre animés de Disney, classés

Les années 1940 ont été une période étrange dans l'histoire de l'animation Disney. La décennie a débuté avec trois classiques de tous les temps – Fantasia des années 1940, Dumbo de 1941 et Bambi de 1942 – mais le reste des années 40 a été consacré aux soi-disant «films en package», six longs métrages d'anthologie qui ont comblé le fossé avant que les classiques ne reprennent avec Cendrillon des années 1950.

Pourquoi ces films emballés n'ont-ils pas été rappelés dans le même souffle que les films d'animation Disney qui les accompagnent? La réponse est embourbée dans l'histoire des affaires financières de Disney et l'impact de la Seconde Guerre mondiale sur l'industrie de l'animation. En raison de la sous-performance financière de Pinocchio, Fantasia et Bambi, et des limites imposées par la Seconde Guerre mondiale au box-office mondial potentiel, les financiers de Disney à Bank of America ne continueraient à soutenir les projets d'animation du studio que si Walt Disney s'en tenait au travail moins coûteux de production de courts métrages.

Alors Disney a mis de côté Peter Pan, Alice au pays des merveilles et d'autres projets pendant un certain temps, et de 1943 à 1949, le studio a produit 31 courts métrages, regroupés en six longs métrages. Ces courts métrages durent de quelques minutes à une demi-heure et leur sujet va d'une aventure de Mickey Mouse à la propagande sociale en passant par des interprétations abstraites de la musique jazz. La plupart exaspérants du point de vue du XXIe siècle, beaucoup d'entre eux trafiquent des stéréotypes raciaux et culturels qui étaient probablement le facteur ultime expliquant pourquoi ces étranges collections ont été en grande partie trouées de mémoire.

Alors comment aborder les films en package ? Peut-être est-il préférable de les traiter comme Bank of America préféré : pas du tout comme des longs métrages, mais comme 31 courts métrages d'une efficacité extrêmement variable. Voici un classement complet de ces courts métrages, pour vous aider à passer au crible la boue problématique sur votre chemin vers les trésors à l'intérieur.

Plusieurs des films du package Disney sur Disney Plus s'ouvrent avec le même avertissement, qui commence: "Ce programme comprend des représentations négatives et / ou des mauvais traitements de personnes ou de cultures. Ces stéréotypes étaient faux à l'époque et sont faux maintenant." Le dernier court métrage de Melody Time en 1948 remporte le classement pour un moment précis qui est suffisamment surprenant pour placer Pecos Bill au bas de cette liste. Dans ce "grand conte tout droit sorti du chariot", le cowpoke éponyme surprend un groupe de "peaux rouges" qui se tapent joyeusement de la peinture de guerre, et leur terreur comique est si extrême que la peinture s'envole de leur corps et sur les rochers autour d'eux, prêtant son nom au désert peint. C'est à en perdre le ventre. Le matériel qui l'entoure n'est pas assez fort pour détourner l'attention de sa laideur – bien qu'un western de dessin animé puisse être très amusant, la narration dans Pecos Bill semble par cœur et l'animation manque d'imagination. Celui-ci pourrait se classer plus haut sans le moment de peinture de guerre, mais c'est tout simplement trop flagrant.

Saludos Amigos de 1942 est l'un des deux films Disney "célébrant" la culture latino-américaine. (Et célébrant la sexualité de Donald Duck.) Ces films faisaient partie de la campagne américaine "Good Neighbor", qui visait à jeter des ponts entre l'Amérique latine et les États-Unis. Si seulement les efforts n'avaient pas été aussi farfelus, comme en témoigne cet engagement décevant. Dans El Gaucho Goofy, nous découvrons le mode de vie des cavaliers latino-américains appelés gauchos. Jeter une clé dans les travaux, cependant, est le fait que nous en apprenons à travers l'appareil de Goofy, qui est dépeint comme un cow-boy du sud-ouest arraché à ses environs et déposé en Amérique latine, où il démontre la robe, la cuisine et divers autres aspects de la vie de gaucho.

Dingo est la seule démonstration qu'on nous offre du gaucho — il n'a pas de guide local ni d'associés. Nous ne voyons que cet imbécile classique modéliser une culture pour laquelle il est totalement mal équipé, se moquant implicitement de l'idée des gauchos via sa présence. Au moment où Goofy danse sur "la chanson de la fille du fermier" avec un cheval vêtu d'une robe, tout mérite discutable dans ce court métrage s'est envolé par la fenêtre. C'est une grossière pantomime d'insensibilité culturelle.

1944's The Three Caballeros est le deuxième des films du package "Good Neighbor". (Il ne devrait pas être très surprenant que la moitié inférieure de cette liste soit dense avec des entrées de ces fonctionnalités à poings de jambon.) Ce court métrage raconte l'histoire d'un "petit gauchito" - un garçon qui se lie d'amitié avec un jeune âne né avec les ailes d'un condor, une association qui lui permet de gagner une course de gaucho avant de monter dans le ciel, pour ne plus jamais être revu. Bien qu'il soit plus bénin qu'El Gaucho Goofy, il dépeint à nouveau la culture gaucho à travers une caricature, et le court métrage est raconté par quelqu'un identifié comme "un vieux gaucho d'Uruguay" - mais le générique révèle que la voix off est de Fred Shields, originaire de Kansas City, faisant un accent extrêmement faux. Ce seul facteur suffit à faire atterrir The Flying Gauchito (un supposé conte populaire uruguayen écrit par et pour les Américains) au bas de cette liste.

Melody Time présente un court métrage qui semble avoir été tiré directement de The Three Caballeros, avec l'Aracuan Bird – quelque chose comme la réponse de Disney à Woody Woodpecker – enseignant à Donald Duck l'art de la samba. L'Aracuan est un personnage attrayant qui mérite d'être traité sur le devant de la scène, mais sa co-vedette est la célèbre musicienne Ethel Smith, originaire de Pennsylvanie, qui apparaît ici dans une tenue prototypique d'Amérique latine, remplaçant le concept même de la samba via un brownface décontracté.

Saludos Amigos est présenté comme une série d'impressions que les animateurs de Disney ont recueillies lors de voyages de recherche au Brésil, en Argentine, au Chili, en Bolivie et au Pérou. Ici, Donald Duck remplace leur point de vue touristique alors qu'il visite un marché près de la frontière entre la Bolivie et le Pérou, rencontre et échange des tenues avec un jeune garçon, puis rencontre un lama entraîné à danser sur de la flûte, ce qui entraîne de nombreux détournements musicaux. Il y a des comédies classiques de dessins animés ici, mais même les courts métrages les plus apparemment bénins trouvés dans les films "Good Neighbor" ont tendance à caricaturer les populations autochtones et à exotiser les cultures. Un geste aussi simple en apparence que Donald Duck échangeant des tenues avec un garçon péruvien est chargé de lourdes connotations culturelles.

Cette histoire de Noël mexicaine traditionnelle, dans laquelle un groupe d'enfants reconstitue la recherche d'un abri par Marie et Joseph la nuit de la naissance de Jésus, est présentée comme un livre de contes et les illustrations sont ravissantes. Celui-ci gagne des points pour avoir offert un véritable aperçu de la culture mexicaine, mais à seulement une minute, il va et vient trop vite pour laisser beaucoup d'impact.

Le titre de ce court métrage peut être traduit par Une aquarelle du Brésil, et cela résume plus ou moins son contenu. Celui-ci est présenté comme un hommage fondamentalement affectueux à une nation étrangère à beaucoup de spectateurs américains, mais, en raison du fait qu'il fait partie des rares exemples de culture brésilienne probablement disponibles pour de nombreux téléspectateurs à l'ère pré-numérique, il y a un effet d'aplatissement à rendre cette culture extrêmement magnifique et magique. Aussi belle que soit l'animation, il y a plus au Brésil que de la beauté, et Saludos Amigos s'oppose résolument à ce que vous le sachiez.

Désormais accompagné du perroquet José Carioca, Donald Duck visite l'État brésilien de Bahia, ici orthographié Baía. Tout comme Aquarela do Brasil, c'est une ode à une terre apparemment magique, mais les choses tournent mal lorsque Donald tombe dans un livre pop-up sur Bahia. À l'intérieur de ce pays de contes, Donald tombe amoureux d'un vendeur de biscuits, joué par la chanteuse brésilienne Aurora Miranda, qui apparaît comme une figure d'action réelle insérée dans le paysage du dessin animé, laissant une région entière être représentée par un artiste sexualisé présenté pour un canard de dessin animé à convoiter. Le mélange d'action en direct et d'animation est surprenant et efficace, mais les films "Good Neighbor" sont intrinsèquement assez laids.

Ici, Donald voit la chanteuse mexicaine Dora Luz dans le ciel et tombe amoureux d'elle, dans un autre court métrage qui mêle animation et action en direct. Ce court métrage a les mêmes problèmes que Baía, et malgré quelques touches fantastiques attrayantes – notamment, les cactus dansants, qui semblent tout droit sortis d'Alice au pays des merveilles ou de Fantasia – il y a quelque chose de décourageant à voir Donald convoiter à nouveau une femme exotisme et sexualisée destinée à représenter toute une culture.

Aux côtés du coq mexicain Panchito Pistoles, Donald et José Carioca (qui passe par Joe, puisque Donald ne peut pas prononcer José) chevauchent un sarape volant à travers des images documentaires de Mexico avant d'atterrir à une danse mexicaine. Ils atterrissent sur une plage, où des femmes prenant un bain de soleil en maillot de bain taquinent Donald pour son désir perpétuel en lui bandant les yeux et en le jetant partout. Le mélange d'action en direct et d'animation est vraiment impressionnant ici – quand Donald est jeté dans une couverture de plage, il semble avoir un poids réel – mais encore une fois, la culture latine se résume à exotique et sexuelle. La séquence documentaire place celui-ci légèrement plus haut dans la liste que les autres courts métrages « horny Donald », mais c'est un soulagement de laisser maintenant la plupart du temps les films « Good Neighbour » derrière et de porter notre attention sur d'autres sujets.

Le poème comique classique d'Ernest Lawrence Thayer est lu par Jerry Colonna (le lièvre de mars d'Alice au pays des merveilles de Disney), dont la voix rend les mots presque inintelligibles. Ce texte simple aurait pu faire une simple transition vers l'écran, mais les animateurs ont ajouté une abondance d'affaires agitées : toute manœuvre exécutée par les joueurs de baseball implique au moins quatre ou cinq tics et bizarreries physiques supplémentaires. Cela brise le cours de l'histoire, complique les choses au point de saper l'élan du poème. Un Casey animé à la chauve-souris pourrait être un coup de circuit, mais en raison d'une bêtise inutile, il frappe.

Make Mine Music (mystérieusement, le seul des films du package qui ne soit pas actuellement diffusé sur Disney Plus) est quelque chose comme Fantasia pour la musique populaire, et les effets varient énormément. Dans le bas du spectre, ce court métrage, réglé sur une ballade d'Andy Russell de 1946, sert de vitrine d'animation et rien de plus. Nous voyons des arbres, des étoiles et des effets liquides intrigants coulant sur l'écran, mais rien ne vaut un récit.

Encore une fois, il n'y a aucune concession à la narration ici, seulement deux danseurs de ballet rotoscopés sur un fond animé. Il y a des effets impressionnants qui ajoutent de la profondeur à la rotoscopie, mais celui-ci est plus une pièce maîtresse qu'un court métrage.

Certains des films du package comportent des courts métrages plus longs, y compris cette adaptation libre d'environ une demi-heure de la nouvelle de Sinclair Lewis "Little Bear Bongo". Cette "histoire musicale chantée par Dinah Shore" raconte l'histoire d'un petit ours brun qui travaille comme artiste de cirque défiant la mort, mais aspire à "répondre à l'appel des grands espaces", le conduisant à s'échapper de son train de cirque alors qu'il voyage à travers la nature sauvage.

Après de longues minutes de gambades, Bongo rencontre une ourson femelle et tombe instantanément amoureux. Des problèmes surviennent lorsqu'un autre ours se dispute l'affection de la bien-aimée de Bongo, ce qui conduit à une longue danse d'accouplement et à un duel entre Bongo et l'agresseur. Malheureusement, il n'y a tout simplement pas assez de matériel ici pour soutenir près de la moitié d'un long métrage, et il est décidément inconfortable que Bongo et sa bien-aimée soient codés comme des oursons, tandis que le rival de Bongo semble être un ours adulte. Il y a une étrangeté attrayante dans certains éléments (nous apprenons que les ours expriment leur affection non pas en s'embrassant, mais en se giflant), mais pour la plupart, Bongo est un travail pénible.

Ce court-métrage fait ce qu'il dit sur la boîte : c'est, selon le narrateur, « un simple hommage à un arbre ». Alors que le poème classique de Joyce Kilmer ("Je pense que je ne verrai jamais un poème aussi beau qu'un arbre…") joue sur un accompagnement musical, nous voyons diverses images d'arbres. Rien de plus et rien de moins. L'animation est belle, évocatrice de la tradition du petit livre d'or de la littérature pour enfants, mais il n'y a pas grand-chose ici pour s'attarder dans la mémoire.

Dans cet intermède d'environ trois minutes, nous voyons des instruments de musique anthropomorphes, des mains jouant sur un clavier flottant et d'autres psychédélismes légers. L'animation est saisissante, mais c'est en grande partie un court métrage à la recherche d'une idée.

Dans ce conte, soi-disant tiré d'un livre intitulé American Folk Lore, nous rencontrons le légendaire saint patron américain des pommes. Au tournant du 19e siècle, Johnny aspire à se diriger vers l'ouest avec les pionniers, mais ne se sent pas fait pour le style de vie, jusqu'à ce que son "propre ange gardien privé" apparaisse sous la forme d'un pionnier qui lui dit (en chanson, naturellement) que les pommiers qu'il aime tant seront bien plus utiles dans l'ouest que les muscles ou le matériel de voyage qui lui manque.

Johnny, un pomiculteur obsessionnel qui n'avait apparemment jamais réalisé que les pommes étaient utiles auparavant, part planter des arbres dans l'ouest, ce qui entraîne des hijinks avec une meute d'animaux méfiants, qui envoient une mouffette pour effrayer Johnny. Les mésaventures de Johnny et de la mouffette forment le cœur du récit ici, se terminant par une coda qui se déroule lors d'une danse carrée centrée sur les friandises aux pommes. Après que son ombre s'étende pour couvrir littéralement l'ouest, Johnny meurt et son ange frontalier convoque son esprit au paradis. Il y a une étrangeté profonde dans la forme de cette histoire, avec seulement quelques battements d'intrigue. Comme Casey at the Bat, cela semble être un conte assez simple à adapter, mais il aurait aussi bien pu s'intituler Johnny Appleseed and the Skunk, qui semble manquer quelque chose de l'attrait central de la légende Appleseed. (Il convient de noter que l'histoire réelle a été blanchie à la chaux dans le récit de Disney : le vrai Johnny était un homme d'affaires plus avisé qu'un saint laïc, et plus intéressé par le cidre dur que par une alimentation savoureuse.)

Ce court métrage concerne les épreuves et les tribulations du jeune remorqueur espiègle Little Toot, qui est exilé en pleine mer après avoir honteusement entravé le travail de son père – le nom sans surprise de Big Toot – et déclenché un accident qui détruit le littoral d'une grande ville. Après avoir trouvé un navire en détresse, Little Toot restaure sa réputation en mettant le navire en sécurité. C'est une petite chose, mais Little Toot est un protagoniste attrayant, même s'il s'agit d'une création moindre que le personnage similaire de Pedro l'avion postal, qui apparaît sous peu dans cette liste.

Ce "poème sonore" était à l'origine conçu comme un segment dans Fantasia, et il est facile d'imaginer qu'il soit inséré dans cette fonctionnalité plus aboutie. L'animation est éthérée, avec de superbes effets de lumière sur l'eau. Le seul coup à celui-ci serait le fait que rien de particulier ne se passe, sauf un échassier qui prend son envol. Ce n'est pas grand-chose pour accrocher un court-métrage narratif, mais la force de l'animation élève celui-ci au-dessus des divers autres poèmes sonores trouvés dans les films du package.

Dans l'introduction de ce court métrage, on apprend que les caméras n'étaient pas autorisées lors de la visite des animateurs au Chili (aucune raison n'est donnée), l'équipe a donc dû travailler de mémoire et d'imagination. Cela a conduit à la création du petit avion qui le pouvait. Pedro est le fils d'un avion postal courageux, mais lorsque son papa attrape un rhume, Pedro doit voler sa route postale pour lui, ce qui conduit à des bouffonneries aériennes.

Pedro est coupé du même tissu que Little Toot, mais la conception du personnage est élevée (sans jeu de mots), tandis que l'antagoniste, la redoutable montagne Mendoza, est effectivement de mauvais augure. S'il y a une ride à l'efficacité de Pedro, ce serait le fait que le caricaturiste chilien René Ríos Boettiger s'est opposé à ce que ce soit la représentation choisie de sa patrie, ce qui a conduit à la création de son propre personnage, l'oiseau de proie Condorito. Si cela enlève une partie de l'éclat de Pedro, on peut au moins dire que le petit avion a fourni un bien net en inspirant indirectement un personnage alternatif de longue date et bien-aimé.

Aussi problématiques que soient certains des courts métrages, un seul a été entièrement supprimé du communiqué de presse à domicile. Cette histoire de deux familles en guerre a été déclarée offensante pour la culture montagnarde américaine, ce qui a conduit à sa mise sur liste noire. Cette décision semble extrêmement stupide, étant donné le contenu réel du court métrage inspiré de Roméo et Juliette. Oui, les deux familles titulaires sont des stéréotypes, mais si Pecos Bill peut être montré dans son intégralité, pourquoi pas cette nervure culturelle relativement douce?

Une guerre interfamiliale (accidentellement enflammée lorsqu'un grand-père ivre ramasse des œufs dans le mauvais poulailler) laisse tous les Martin et Coy morts, à l'exception d'un membre de chaque famille: une jeune fille plantureuse et un hunky lunkhead, qui tombent immédiatement amoureux, mettant apparemment fin à la querelle. Environ un tiers de la durée du court métrage est ensuite accordé à leur réception de mariage (on ne sait pas qui sont les invités au mariage, étant donné l'anéantissement des deux familles), mais la lune de miel se termine rapidement - il s'avère que les maris et les femmes se disputent beaucoup, et donc la querelle entre les Martins et les Coys est ravivée. La comédie de la bataille des sexes ici est obsolète, mais il y a une énergie attrayante dans la procédure. Avec la violence ivre, c'est peut-être un tarif étrange pour un programme pour tous les âges, mais quels sont les dessins animés des années 1940, sinon discutablement appropriés pour les enfants ?

Les Trois Caballeros s'ouvrent sur cette fable concernant Pablo, un pingouin qui déteste le froid et décide de se diriger vers « le pays du soleil ». Après quelques faux départs, il sculpte un bateau dans la glace et remonte les côtes sud-américaines, vers les îles Galápagos, "l'île de ses rêves". Que savez-vous, cependant: Pablo finit par manquer à la maison. Ne semble-t-il pas toujours disparaître que vous ne savez pas ce que vous avez jusqu'à ce qu'il disparaisse ? Il s'agit du court métrage le mieux classé de l'un ou l'autre des films "Good Neighbor", principalement pour son manque relatif d'exotisme - c'est le court métrage le plus bénin de Saludos Amigos ou de The Three Caballeros, et pour cela, nous devrions tous remercier Pablo.

"La romance est le thème", nous informe-t-on au début de ce court métrage, qui retrace l'odyssée amoureuse d'un couple en traineau. Après avoir traversé des scènes d'hiver, le jeune homme et la femme centraux se lancent dans un voyage de patinage sur glace qui a mal tourné - la glace se fissure et se brise, envoyant la jeune femme en aval vers une cascade. Sauvée in extremis, elle regagne le traîneau aux côtés de son bien-aimé, et lui accorde même un baiser – bien qu'il ait lieu lors d'un voyage dans un tunnel, nous épargnant l'image scandaleuse d'une femme embrassant la joue d'un homme. Il y a un attrait pastoral dans ce court métrage, ainsi qu'un joli chœur grec d'animaux appariés (deux lapins abrutis reflètent le couple central), et - une rareté surprenante parmi ces courts métrages - l'aventure en trois actes est bien rythmée.

Les courts métrages de guerre de Disney prennent une tournure résolument bizarre avec cette histoire d'amour entre les deux chapeaux anthropomorphes titulaires, qui tombent amoureux l'un de l'autre alors qu'ils sont exposés dans une vitrine de magasin pour être séparés par les caprices cruels du destin commercial. Nous suivons Johnnie Fedora dans son voyage de désespoir, qui correspond à la fortune en déclin de son propriétaire, qui visite un bar clandestin qui est rapidement pillé, une autre image bizarre pour une fonctionnalité ostensible pour tous les âges. (L'ivresse est l'or de la comédie dans Make Mine Music.) Johnnie et Alice sont réunies lorsqu'elles deviennent toutes deux des chapeaux pour une paire de chevaux qui tirent une calèche, mais même cette fin heureuse ne peut compenser l'horreur de l'implication centrale : chaque fois que nous enfilons une casquette, nous nous fourrons la tête dans la gueule sans voix d'une créature vivante et sensible. Ne pensez pas trop à Johnnie Fedora et Alice Bluebonnet. De cette façon se trouve l'horreur.

Cette adaptation de la nouvelle classique de Washington Irving pourrait bien être l'entrée la plus emblématique de tous les films du package. Sa distinction est méritée - la chevauchée culminante d'Ichabod Crane à travers les bois de Sleepy Hollow, poursuivie par l'horrible Cavalier sans tête, est intemporellement effrayante, un mélange parfait de câlins comiques et de véritable terreur, avec une animation d'horreur presque psychédélique. Le seul problème est que cette séquence finale arrive à la fin d'un préambule long et grinçant. L'histoire d'Irving ne semble tout simplement pas convenir au traitement d'animation de Disney. La comédie de l'histoire - principalement liée à la rivalité amoureuse entre Ichabod et le lunkhead Brom Bones - est un plat sec et satirique, approprié pour les adultes, mais susceptible d'ennuyer les enfants. Disney a également fait le choix probablement pragmatique d'éviter les dialogues synchronisés, laissant l'histoire être racontée comme une comédie silencieuse narrée, qui devient rapidement fastidieuse. La séquence Headless Horseman est indéniablement efficace. Tout ce qui vient avant ? Niable au mieux.

Un autre court métrage qui fait ce qu'il dit sur la boîte, la finale de Make Mine Music raconte l'histoire tragique de Willie la baleine chantante, avec des voix fournies par le célèbre chanteur de scène et de cinéma Nelson Eddy. Une quantité surprenante du temps d'exécution est consacrée au débat procédural sur la façon dont une baleine pourrait apprendre à chanter. (La théorie en cours finit par être que la baleine aurait pu avaler un chanteur d'opéra.) Le concept est imaginatif, bien qu'étrange, et peut-être le plus mémorable pour sa fin choquante – toute la carrière d'opéra de la baleine se déroule dans l'esprit de Willie dans les instants avant qu'il ne soit harponné à mort par un "impresario" jaloux, transformant ce court métrage comique en un conte moral sur les échecs de l'humanité: "Les gens ne sont pas habitués aux miracles", nous dit-on. Il n'y a rien de miraculeux dans celui-ci, mais il explore à fond sa prémisse comique et présente peut-être la structure la plus aventureuse de tous les courts métrages examinés ici, ce qui lui donne un avantage.

Mickey Mouse fait sa seule apparition sur l'intégralité des films du package dans ce récit de "Jack et le haricot magique", raconté par le ventriloque Edgar Bergen et ses marionnettes, qui apparaissent en direct tout au long du récit pour faire avancer les choses. Ce commentaire de couleur éculé agit contre l'efficacité de ce qui est par ailleurs un solide conte de fées de dessins animés, mettant en vedette certains des visages les plus aimés de l'animation. Il est difficile de se plaindre du fait que Mickey, Donald et Goofy adoptent des activités de dessin animé aussi classiques que de diviser un seul haricot de trois manières, dans un raccourci classique pour la famine. Comme avec Bongo, qui forme l'autre moitié de Fun et Fancy Free, le matériel ici semble un peu surchargé, mais avec Mickey et co. en tant que guides, il existe de pires façons de passer une demi-heure, et cette entrée gagne des points pour être l'une des rares entrées de films en package qui pourraient réellement plaire aux enfants.

Dans cette réinterprétation jazzy de "Flight of the Bumblebee", "un petit personnage confus tente désespérément d'échapper à l'harmonie trépidante d'un cauchemar instrumental". Cela se manifeste par un voyage hallucinatoire qui mêle le biologique au musical – l'abeille doit faire face à des fleurs carnivores, un clavier devenu serpent et des cornes malveillantes aux yeux diaboliques. Tout cela rappelle "After You've Gone", mais la présence d'un personnage central empêche les choses de se transformer en abstraction. Ce court métrage le garde bref et farouchement bizarre, et il anime le Melody Time souvent mou. Un certain nombre de shorts de package existent comme excuse pour le chaos des derviches tourneurs, mais c'est le plus serré et le plus créatif. Boogie sur.

Cette adaptation d'un segment du roman classique pour enfants de Kenneth Grahame est un autre exemple de court métrage qui pèse la moitié d'une durée d'exécution, permettant une grande profondeur de caractérisation du personnage à juste titre emblématique de M. Toad. Le court métrage évoque de manière appropriée l'étrangeté particulière du livre de Grahame, dans lequel les humains et les animaux anthropomorphes coexistent. Et il y a une variété éblouissante dans les créations de dessins animés. (Aux côtés de figures animales classiques comme Rat et Taupe, nous avons l'antagoniste M. Winky, une sorte de cousin diabolique de la mascotte Pringles.)

Les angles de caméra pendant les moments de tension évoquent l'expressionnisme allemand, tandis que l'histoire et les thèmes, convenablement repris du livre, peuvent étirer la capacité d'attention des enfants. (Pendant de longues périodes, il s'agit essentiellement d'un drame juridique, tandis que le chaos comique de l'apogée se résume à qui sécurise l'acte de propriété d'une maison.) Mais c'est le court métrage qui ressemble le plus à une œuvre classique de l'animation Disney. Il suffit de faire un souhait pour l'adaptation complète de The Wind in the Willows que nous aurions pu obtenir, si ce n'était du parti pris axé sur les courts métrages de Bank of America.

La plus grande des entrées de Fantasia pour la musique pop de cette liste, All the Cats Join In est un exemple classique du trope "on voit un crayon dessiner les dessins animés pendant qu'ils se déplacent". Nous voyons un saut de chaussette adolescent prendre vie sous nos yeux, à la consternation occasionnelle des personnages dessinés, qui expriment leur frustration envers leur créateur. L'animation stretch-and-squash est vivante et dynamique, et la bande-son jazz anime le tout. Il n'y a pas grand-chose dans All the Cats Join In, mais ce qu'il y a de passionnant dans son inventivité. Vous voudrez vous joindre à vous aussi.

Cette adaptation du conte musical de Sergueï Prokofiev est une sorte de pur idéal de ce que l'on pourrait rechercher dans un film d'anthologie d'animation Disney. Narré par Sterling Holloway (le plus reconnaissable comme la voix de Winnie l'ourson), ce court métrage est parfaitement synchronisé avec la partition classique, innovant bien dans les limites du récit rétabli : Peter, un jeune garçon avec un pistolet à pop et un rêve de gloire, part à la chasse au loup qui terrorise les bois russes, flanqué de sa coterie d'acolytes animaux. Mais les choses deviennent incontrôlables lorsque le loup arrive et perce les fantasmes de Peter.

Formant un contrepoint plus efficace à Casey at the Bat, c'est Disney qui fait droit à un conte classique, le gardant propre, simple et mis en scène de manière créative, et ne dépassant pas son accueil. Si plus de films en package avaient penché dans cette direction, il y aurait peut-être déjà eu un classique de Disney dans le groupe.

Pourtant, il se pourrait qu'une liste de lecture efficace puisse être créée à partir des cinq meilleurs courts métrages ici. Appelez-le le meilleur des films en paquet – vous pourriez laisser 26 œuvres d'animation dans la poussière, mais vous ne perdriez pas grand-chose. Il y a une raison pour laquelle ces packages ont été largement oubliés par l'histoire. Lorsqu'ils fonctionnent à pleine puissance, cependant, il y a suffisamment d'étincelles de l'ancienne magie de Disney pour maintenir la flamme vivante tout au long de la pause de près de dix ans entre les longs métrages animés classiques de Disney.