L'art que nous avons vu cet hiver

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De nos critiques, critiques d'expositions de galeries fermées autour de New York.

Par le New York Times

Chelsea

Jusqu'au 18 février. Marianne Boesky, 507 West 24th Street, Manhattan ; 212-680-9889, marianneboeskygallery.com.

Des années 1970 jusqu'à sa mort en 2022, Jennifer Bartlett a fusionné les tics expressifs de la peinture avec les grilles rigides de l'art conceptuel. Qu'il s'agisse d'insérer des taches de peinture entre les lignes ou de les balayer, la grille confine et dynamise à la fois des sujets simples comme les montagnes ou les arbres, et intensifie les études élémentaires de la forme et de la couleur. L'encyclopédique et errante "Rhapsody" de Bartlett, datant de 1976, couvre des centaines de panneaux carrés émaillés imprimés avec des grilles d'un quart de pouce.

Cette exposition présente 77 des premiers dessins en série obscurs de l'artiste sur papier millimétré réalisés entre 1970 et 1973. Ils mettent à nu les fondements systémiques de son travail plus raffiné. Dans un groupe, elle expérimente des manières itératives de remplir les carrés ou d'ombrager une zone donnée avec des rayures et des pointillés. Une autre série prismatique déploie de petits échantillons de crayon de couleur sur des champs de peinture argentée métallique. Vous pouvez sentir l'agitation de Bartlett dans la façon dont elle colore en dehors des lignes et permet aux erreurs de se glisser.

Une troisième série présentée explore son motif préféré, la maison iconique : une boîte avec un triangle sur le dessus, incrustée d'une fenêtre et d'une porte. Le ciel est bleu et la pelouse est verte. La progression des dessins de maison commence simplement, en branchant consciencieusement les formes des composants dans la grille. Puis, après plusieurs dessins, Bartlett commence à étiqueter les parties à la main, parfois d'une manière qui contredit le programme - le mot "ciel" sur un triangle vert. L'enchevêtrement de langage en haut d'une page se transforme en un dégradé clairsemé. Au rythme du déroulement du plan vient le plaisir de la contrainte. TRAVIS DIEHL

TriBeCa

Jusqu'au 11 février. Thêta. 184, rue Franklin, Manhattan ; 917-262-0037, theta.nyc.

Les tiges, rondelles et cartes acryliques énigmatiques présentées ici ne sont pas de l'art à proprement parler. Promus comme des "instruments de guérison" par le Gentle Wind Project, qui épouse une vague spiritualité New Age et est peut-être un culte, ces gadgets effrayants s'inspirent généreusement de la médecine chinoise et de la chromothérapie. D'une extase vibrante avec un style graphique envoûtant, ils poussent la théorie des couleurs à son extrême invraisemblable, comme un exercice de Josef Albers sur la psilocybine.

Leurs promesses, prescrites en leurs noms - "Trauma Card 2 + Combat Fatigue Ver 17.0" (2006); "Soft Sleep Ver 8.2" (2008) - rejoignez-les à la panoplie de remèdes homéopathiques destinés aux affections psychiques. Ce sont des versions outrées – un meilleur jugement suggère que communier avec une spirale laminée Day-Glo Fibonacci ne réalignera pas le champ électromagnétique de votre corps – mais pas si différent des produits commercialisés dans le cadre de l'industrie du «bien-être» de 450 milliards de dollars. L'incarnation actuelle de l'organisation, après une enquête pour fraude, sous le nom de I Ching Systems and Artworks, invite à la contemplation en tant que pratique esthétique, même si son intention est moins une aspiration au monde de l'art qu'à échapper à l'examen de la FDA.

Nous sommes inondés de mauvais acteurs, d'opportunistes qui exploiteraient notre souffrance à des fins lucratives. Un arnaqueur débarque en ville et un autre achète les droits du film. Mais l'exposition, organisée par Nick Irvin, résiste à se livrer au sordide ou à porter un jugement de valeur, une pose qui peut sembler admirablement ouverte ou frustrante oblique. Cela devient sa propre étude dans l'obsession (des livres de Gentle Wind vrais croyants sont disponibles pour référence, avec les nombreux marginaux d'Irvin), une tentative de donner un sens à la foi, qui bien sûr ne peut être expliquée, ou peut-être la restaurer. MAX LAKIN

NonHo

Jusqu'au 21 janvier. dieFirma, 32A Cooper Square, Manhattan ; 347-699-1440 ; diefirmanyc.com.

Il était une fois, les sols en linoléum évoquaient la promesse étincelante du siècle moderne : vibrant et nouveau, une merveille de science et de commodité. Au milieu du siècle, il était de rigueur dans les cuisines américaines, synonyme de la perception que le pays avait de lui-même après la guerre : résistant, résilient, ne se décolore jamais. L'éclat, comme une grande partie du reste du rêve américain s'est avéré être maintenu par l'amiante, s'est depuis dissipé; Les Américains ont arraché leurs sols en linoléum et les ont jetés dans la poubelle de l'histoire de la décoration.

L'artiste Bill Miller ressuscite ce passé, et les fantômes qui l'accompagnent, en collant des feuilles de linoléum trouvées dans des collages denses, presque hallucinants, représentant les paysages et les intérieurs domestiques modestes des villes postindustrielles qu'il a connues. Miller ne manipule pas les finitions, s'appuyant sur les couleurs fabriquées en usine et les motifs souvent agressifs pour sa palette, une constriction auto-imposée qui devient une liberté expansive. Il s'avère être un médium remarquablement polyvalent et émouvant. Miller récupère une grande partie de son matériel dans des maisons abandonnées à Pittsburgh et dans les environs, où il vit, et dont l'industrie sidérurgique effondrée permet et teint le travail ici.

L'intérêt conceptuel pourrait rapidement devenir obsolète, mais les choix de Miller évitent les gadgets. Son dévouement à son matériel se lit comme dévotionnel et empathique, dépeignant la vie de ses sujets cols bleus à travers l'étoffe même avec laquelle ils ont été fournis. Ses images ont une qualité hantée; des marques d'usure restent visibles, des traces de la vie antérieure du linoléum toujours présentes, estompées mais pas oubliées. MAX LAKIN

Fer à repasser

Jusqu'au 21 janvier. Le 8e étage, 17 West 17th Street, Manhattan ; 646-839-5908, the8thfloor.org.

L'art de la performance n'est peut-être pas aussi radical qu'il l'était dans les années 1970, mais l'exposition "El Corazón Aúlla" ("Le cœur hurle") réaffirme à quel point il est un puissant véhicule d'expression subversive. Organisée par Alexis Heller et Tatiana Muñoz-Brenes, l'exposition présente 14 artistes féminines et non binaires d'Amérique latine attirant l'attention sur une crise de la violence sexiste : Selon l'Observatoire de l'égalité des genres pour l'Amérique latine et les Caraïbes, au moins 12 femmes par jour ont été victimes de féminicide dans la région en 2021. Les artistes adoptent des approches différentes - se produisant en public et en privé, seules ou avec d'autres - mais sont unies par leur vulnérabilité inébranlable. Ils mettent leur corps en danger.

Cela inclut Denise E. Reyes Amaya allongée couverte de sacs poubelles dans le caniveau d'une rue de San Salvador dans la vidéo "Colored Bags for Trash" (2014); c'est tout aussi déchirant de voir les passants l'ignorer et les policiers la piquer. Dans la vidéo "Las Nobodies" (2011), l'artiste mexicaine Nayla Altamirano marche méditativement le long de la frontière, ramassant et enfilant des soutiens-gorge laissés dans le désert par les coyotes qui ont agressé sexuellement les femmes qu'ils faisaient passer clandestinement aux États-Unis.

Certains artistes étendent leur vulnérabilité vers l'extérieur, comme Elina Chauvet, qui, dans "Mes cheveux pour ton nom" (2014), lui a coupé les mèches et les a attachées avec des rubans portant les noms de femmes assassinées. Ici, à côté de ces serrures suspendues et de ces photos de performances, l'artiste mexicain a installé une station où les visiteurs sont invités à faire de même, nous poussant à réfléchir à ce que nous pourrions être prêts à risquer ou à abandonner en sacrifice. JILLIAN STEINHAUER

Côté inférieur est

Jusqu'au 21 janvier. Shoot the Lobster, 138 Eldridge Street, Manhattan ; 212-560-0670, shootthelobster.com.

Le titre de cette exposition collective - qui comprend des œuvres de 22 artistes représentant, plus ou moins abstraitement, des femmes - fait un clin d'œil à "New Images of Man", le blockbuster du MoMA de 1959 organisé par Peter Selz. Cette exposition rassemblait les formes tordues du portrait moderniste de Giacometti et Francis Bacon sous la bannière de l'ère nucléaire. Une grande partie de cette brutalité persiste dans cette révision organisée par l'artiste Candy Cane.

Ces « nouvelles images de femmes » sont tendues, tendues, entrelacées d'intimations de sexe et de violence. Le plus grand portrait, une photographie de la série "Nollywood" de Pieter Hugo, représente une femme noire tenant le manche rugueux d'une machette bolo qui semble traverser son sternum nu. Elle fixe l'objectif tandis que le sang de scène imbibe la couverture à sa taille. Un riff bleu royal "Raggedy Ann" de trois pieds de haut par Jason Yates est assis comme s'il était bouche bée devant le gore. D'autres photos montrent le bondage, le jeu de corde, les tropes de la sexploitation et du sleaze indépendant. Ce n'est pas raunch pour l'amour de raunch, cependant - ces images brutes confrontent l'idée que le mot "homme" pourrait nommer toute la famille humaine heureuse. Ce bonheur est lourd aussi. Dans une photo prise à la tête en 2021 par Bill Taylor, une femme avec une coupe grisonnante et des tatouages ​​faciaux se repose dans un lit d'hôpital, peut-être endormie; pour "In My Garden" (1987), Cindy Sherman s'habille comme un ouvrier du pétrole éclaboussé de boue, tient un serpent mort comme un symbole. Nos traumatismes sociaux ont évolué, nos frontières de la normalité se sont estompées, mais le spectacle de Selz, ou du moins son titre, reste un ver d'oreille de l'histoire de l'art. TRAVIS DIEHL

TriBeCa

Jusqu'au 14 janvier. Broadway, 375 Broadway, Manhattan. (212) 226-4001; broadwaygallery.nyc.

Pour son premier spectacle à Broadway en 2020, Meg Lipke a réalisé une série de sculptures en toile souple à la Claes Oldenburg. Rembourrés comme des oreillers mais façonnés, pour la plupart, en carrés vides ou en grilles lâches, et décorés de motifs brillants et loufoques, ils étaient essentiellement des sculptures de peintures.

Son nouveau spectacle, "Ingrédients que vous pouvez voir et prononcer", comprend neuf peintures réelles sur du lin tendu, leur seule idiosyncrasie étant un seul coin arrondi sur chacune. Mais leurs arrangements occupés de renflements, de boucles et de points ressemblent tellement à des collages que vous pourriez vous retrouver à regarder deux fois pour voir si leurs surfaces sont entièrement plates.

Le communiqué publicitaire de l'émission mentionne l'art rupestre, et il est vrai qu'il y a quelque chose de sablonneux et d'ancien dans la palette de couleurs de Lipke, nonobstant sa pêche, son orange, son jaune et son fuchsia; il y a même une ligne de petits quadrupèdes bruns dans une pièce appelée "Lascaux". Mais ce qui m'a vraiment fait voyager dans le temps, ce sont les rayures, des lignes plus ou moins parallèles et des tirets qui évoquaient une artiste préhistorique faisant glisser ses doigts dans l'ocre rouge sur le mur d'une grotte. Ces rayures atteignent leur apogée dans "Old Sarum", une peinture presque en noir et blanc dans laquelle des motifs zébrés, des traits de crayon, des apostrophes et des gribouillis qui font allusion aux dessins de Paul Klee se combinent dans une surface à la fois complexe et simple. WILL-HEINRICH

quartier chinois

Jusqu'au 8 janvier. Lubov, 5 East Broadway, quatrième étage, Manhattan ; 347-496-5833, lubov.nyc.

Les artistes new-yorkais Covey Gong et Eli Ping mettent en scène un dialogue amical dans un spectacle axé principalement sur la sculpture. À travers les sept œuvres de l'exposition – toutes de 2022, dont deux de Ping et cinq de Gong – les deux artistes parviennent à un équilibre parfait en jouant de la délicatesse sur la lourdeur et en utilisant la simplicité sans agitation. Les détails sculpturaux animent même les œuvres qui ressemblent à première vue à des peintures, comme dans le diptyque sans titre de Gong, où l'organza de polyester finement tissé remplace la toile de peintre, révélant les barres de civière en aluminium en dessous. Des pois de la taille d'une assiette marquent ce matériau - qui rappelle les collants transparents - peint à l'aérographe avec de l'acrylique noir ou gris foncé dans un motif vaguement régulier, avec des traînées de pulvérisation fumées s'échappant des limites des cercles. L'effet : minimalisme avec élan et âme.

Le diptyque de Gong fait face à "Moult" de Ping, un rendu en fonte d'une forme simple qui ressemble à une serviette - ou même à une toile non tendue réutilisée par un peintre - tordue et figée dans une forme en boucle montante suggérant une torche ou la flamme d'une bougie. Mes œuvres préférées ici sont deux constructions en forme de boîte de Gong utilisant le même organza pulvérisé sur une fine armature en fil de bronze et d'étain. Accrochés au mur, ils ont à peu près la taille d'un livre à couverture rigide et incorporent des crochets et des œillets du genre que vous pourriez trouver sur un corset ou un chemisier, l'un détaillé en tissu blanc, l'autre en noir. Des fils de coton se regroupent en haut et en bas, rappelant les subtils dessins sculpturaux de Richard Tuttle réalisés avec du fil et de l'ombre. JEAN VINCLER

TriBeCa

Jusqu'au 7 janvier au 52 Walker, 52 Walker Street, Manhattan ; (212) 727-1961, 52walker.com.

Nous, en tant qu'espèce, sommes impressionnés par les grandes choses : les grands animaux, les bâtiments très hauts, la nourriture surdimensionnée. Dans l'art, cependant, plus grand n'est pas toujours meilleur. Prenez le lot actuel de sculptures de Tau Lewis dans ses débuts en solo, "Vox Populi, Vox Dei", au 52 Walker.

L'artiste né au Canada et basé à Brooklyn a explosé sur la scène artistique nord-américaine il y a une demi-décennie, une vingtaine d'années extrêmement talentueuse qui a bricolé des sculptures et des tapisseries granuleuses et presque hantées avec des matériaux récupérés. Puis elle a été découverte : sollicitée par d'importants conservateurs et recrutée par de grandes galeries, aboutissant à sa participation à l'actuelle Biennale de Venise.

"Vox Populi, Vox Dei" fait suite à cette expérience grisante et trouve Lewis à court d'idées. Six têtes géantes aux titres explosifs comme "Mater Dei" (toutes les œuvres datent de 2022) et "Trident" évoquent des masques et des monstres féroces, des divinités et des figures de pouvoir issues d'une panoplie de cultures. Les matériaux ici comprennent du cuir, de la fourrure, de la soie, du cuir brut, des coquillages et de la peau de serpent recyclés. Les œuvres sont impressionnantes — c'est-à-dire grandes — mais plutôt basiques. (Je pense toujours, dans ces exemples de « gigantisme », à ce que Roberta Smith a écrit un jour à propos des sculptures géantes de Zhang Huan : « Le sujet principal ici est l'échelle elle-même ; la hauteur, le volume et la quantité ainsi que les heures de travail humain. »)

Beaucoup d'encre a coulé sur le monde de l'art dévorant sa jeunesse. D'une part, il est heureux que Lewis ait trouvé le succès. D'un autre côté, c'est doux-amer : les idées et les compositions folles que Lewis a créées lorsqu'elle était relativement inconnue, fabriquant des objets curieux dans son atelier, étaient meilleures. MARTHE SCHWENDENER

Jusqu'au 7 janvier. Lehmann Maupin, 501 W 24th Street, Manhattan, 212-255-2923 lehmannmaupin.com.

Dans les années 1990, l'écrivain, peintre et musicien anglais Billy Childish et son groupe, Thee Headcoats, se sont produits sur la côte ouest. Ces voyages ont changé sa vie : il a rencontré et épousé sa femme dans la région, et maintenant dans son nouveau spectacle, « Spirit Guides and Other Guardians Joining Heaven and Earth », à Lehmann Maupin, il est retourné dans le nord-ouest du Pacifique.

Il s'agit de 11 peintures aux couleurs sourdes mais expressives, à la manière d'Edvard Munch, qui a eu une grande influence sur Childish. Ses coups de pinceau vacillent comme un cri silencieux dans une forêt nouvellement découverte. Travaillant le lin, dessinant d'abord au fusain avant de colorier à l'huile, il évoque un rapport intense à la nature, palpable. Même lorsque des figures humaines apparaissent - généralement seules - le poids de leur environnement semble les serrer.

Les montagnes, les forêts, les arbres solitaires, les rivières et leurs affluents deviennent des lieux de ce qui sont peut-être des incursions dans son propre subconscient, des périodes de sa vie qu'il aimerait revivre. Deux peintures - "La montagne qui est Dieu" et "Moonrise Mount Tahoma" - présentent la même scène : un homme debout dans un bateau, son chapeau dans une main et sa pagaie dans l'autre, avec la montagne en arrière-plan, la rivière sous lui coule avec des fissures vertes comme un rocher lui-même. Si Childish partage ce dont il se souvient de son époque avec le paysage de la côte ouest, les images qui en résultent sont majestueuses et paisibles, témoignage de la richesse de ses souvenirs et de la mémoire humaine elle-même. YINKA ELUJOBA

Chelsea

Jusqu'au 7 janvier. Cheim & Read, 547 West 25th Street, Manhattan. 212-242-7727; cheimread.com.

Le marchand d'art Jay Gorney a construit une petite exposition collective vivifiante autour de l'œuvre du peintre américain éternel oublié Kimber Smith (1922-1981), combinant quatre de ses œuvres avec celles de sept artistes vivants. Peut-être assurera-t-il enfin une visibilité permanente à son art.

Smith a travaillé avec un air d'improvisation enjouée et irrévérencieuse, en mélangeant les styles et les techniques, comme dans le brillant et légèrement démoniaque "K's Mandolin" (1970), qui combine des bords durs et doux avec des allusions au graffiti, ou en poussant la peinture à des extrêmes sommaires comme "June 13 (Gabrielle)" de 1979, qui évoque le dessin d'enfant. Smith est lié à l'expressionnisme abstrait de deuxième génération ou à la peinture Color Field. Mais il semble plus un perturbateur des deux styles, faisant partie d'un processus continu de contamination de la peinture abstraite par la vie réelle qui est en cours au moins depuis les premiers modernistes comme Miro.

Tous les artistes ici poursuivent la contamination. Joanne Greenbaum construit des réseaux denses de lignes colorées qui devraient éclater dans les dessins animés mais ne le font jamais. Joe Fyfe colle sa peinture de rechange avec un deuxième morceau de toile et ce qui semble être un bout de panneau en vinyle. Eric N. Mack réduit la peinture à de minces voiles de couleur tendus dans l'espace réel. Marina Adams reste sur la toile mais étire également ses formes, les déforme comme des textiles. Matt Connors fait en fait d'un textile à motifs le sujet à moitié caché de son effort particulièrement à la Kimber. Les peintures contemporaines - y compris celles des éminents Peter Shear et Monique Mouton - font que Smith semble très bien de notre temps, et donc, en avance sur le sien. ROBERTA SMITH

Chelsea

Jusqu'au 7 janvier. Un câlin du monde de l'art, 515 West 19th Street, Manhattan. ahugfromtheartworld.com.

Beryl Cook est incroyablement populaire dans sa Grande-Bretagne natale, où ses personnages dynamiques et ses scènes chaleureusement rembourrées éclaboussent les timbres-poste et les torchons, mais elle est pour la plupart inconnue ici. Cette exposition déterminée vise à rectifier l'oubli, rassemblant 40 peintures, dessins et éphémères de la production de cinq décennies de Cook, de son premier effort, vers 1960, à son dernier en 2008, l'année de sa mort.

Showgirl en temps de guerre qui, à 40 ans, a commencé à peindre sans formation formelle, Cook a rendu les Britanniques de tous les jours dans une splendeur plate et volumineuse – des retraités roly-poly en cascade et des call-girls charnues – un Boterismo pour le plateau de Blackpool. Ses tableaux tapageurs de fish and chips graisseux et de vacances à la mer distillaient une souche particulière de sensibilité de classe britannique, à parts égales dépréciant et paillard, le relâchement inconscient de la lèvre supérieure raide, ou ce qu'elle appelait "les gens ordinaires s'amusant".

Rude mais juste timide de lascif (Jackie Collins était fan), l'esprit vinaigré de Cook se traduit naturellement à New York. Plusieurs tableaux font référence à ses voyages ici, où elle observait les foules comme un Tocqueville grivois en Amérique : « Bar & Barbara » (1982), matrones zaftig en fourrures gonflées piétinant l'hôtel Algonquin, est aussi compacte que n'importe quel James Thurber.

Dans sa description de la vie nocturne animée, le travail de Cook a canalisé une version plus joyeuse de l'étrangeté sociale d'Edward Burra ou des caricatures de Berlinois de George Grosz. Ses thèmes étaient l'anxiété et la douleur adultes mais absentes, que les critiques ont rejetées comme peu sérieuses, une casserole qui passe à côté de l'essentiel. Cook s'intéressait au plaisir, le peignant jusqu'au défi. MAX LAKIN

TriBeCa

Jusqu'au 17 décembre. Arsenal Contemporary, 21 Cortlandt Alley, Manhattan ; 917-262-0233, arsenalcontemporary.com/ny.

Un tableau montre une blonde sage dans une robe bleue de jeune fille, les mains jointes modestement devant elle. Dans un autre, une brune vêtue d'une robe blanche mousseuse, d'un châle blanc et d'un chapeau de paille prend place parmi des jonquilles. Un troisième nous présente deux jeunes femmes seules dans la nature – les hautes terres du Maine, peut-être, ou un paysage de collines à Cape Cod. Pieds nus, ils portent des chemises sans manches en rose saumon et bleu gris de bon goût; la fille rose regarde au loin tandis que sa compagne en gris tresse ses cheveux. Ces peintures et neuf autres dans la même veine de Corri-Lynn Tetz, qui vit à Montréal, présentent l'image de la jeunesse la plus raffinée et la plus raffinée que l'on puisse imaginer.

Je les trouve terrifiants.

Dans les peintures de Tetz, les clichés de notre société sur le féminin sont devenus un piège à ours attendant d'attraper et de désactiver toute jeune femme qui leur tombe dessus, comme presque toutes les jeunes femmes sont tenues de le faire.

Plusieurs des peintures sont basées sur des personnages extraits des pages d'un catalogue de Laura Ashley. D'autres semblent être des publicités pour les derniers styles "prairie" qui sont récemment entrés (je dirais, infectés) dans la mode féminine grand public. Leurs scènes sont rendues dans le pinceau libre du meilleur de l'illustration de mode d'après-guerre, comme on en rencontre rarement aujourd'hui.

En élargissant ce style publicitaire classique à l'échelle des déclarations de maîtres anciens sur la guerre, Dieu et le mythe classique, Tetz fait de la vente de la féminité le sujet d'un nouveau type de peinture d'histoire. "L'Enlèvement des Sabines" n'est guère plus glaçant. BLAKE GOPNIK

Tribeca

Jusqu'au 15 décembre. Jacqueline Sullivan Gallery, 52 Walker Street, Manhattan ; jacquelinesullivangallery.com.

Les galeries dédiées au design vraiment artistique sont rares comme les chapeaux MAGA à New York. Ils ne restent pas toujours ouverts longtemps. J'étais donc ravi de monter dans cette galerie du quatrième étage de TriBeCa, en passant devant les espaces bien connus de David Zwirner et James Cohan, et de découvrir l'exposition de groupe inspirante qui inaugure la nouvelle galerie de Jacqueline Sullivan.

J'ai trouvé un merveilleux mélange de meubles et d'objets très nouveaux, anciens et très anciens. Des chaises en chêne audacieuses, fabriquées dans le Yorkshire vers 1700, sont en conversation heureuse avec une garde-robe minimale conçue en 1974 par le Néerlandais Juliaan Lampens, qui a fait du contreplaqué brut une lecture raffinée. C'est un beau dialogue entre un tapis fleuri Arts and Crafts, tissé en Angleterre vers 1895, et des couvertures géométriques réalisées cette année par Grace Atkinson, basée à Paris.

Mais un mariage plus approfondi de l'ancien et du nouveau vient dans un nouveau projet de Kristin Dickson-Okuda, l'un des nombreux créateurs commandés juste pour ce spectacle. Dickson-Okuda a pris une chaise Arts and Crafts "Sussex", produite par William Morris dans les années 1870, et, comme une pie, a ajouté des rubans noirs sur ses côtés et des carrés de vinyle transparent sur ses bras et même des cozies blancs tricotés à la main autour de ses jambes. Ses ajouts sont complètement contemporains, mais aussi complètement respectueux des objets vintage qu'ils ornent et mettent à jour.

Dans le design, un mélange d'ancien et de nouveau ressemble souvent à une accumulation voyante de trésors, ignorant ce que chaque pièce signifiait autrefois. Sullivan, diplômé en poésie et en histoire du design, transforme l'anachronisme en une force créatrice. BLAKE GOPNIK

Jusqu'au 11 décembre. Amanita, 313 Bowery, Manhattan ; spazioamanita.com.

La brutalité et la tendresse se mêlent dans les nouvelles peintures de l'artiste hongroise Eva Beresin dans son spectacle "Aktenkundig (On Record)", qui dépeignent des versions d'elle-même et de sa famille dans des scènes qui crient avec une intensité à la fois visuelle et émotionnelle. Rendues d'une main enfantine et d'une palette juteuse qui dément leur gravité, les images de Beresin peuvent sembler fantastiques, moins surréalistes que la façon dont les angoisses ont tendance à tomber les unes sur les autres dans les rêves, laissant l'esprit les trier ou non. Beresin se représente souvent nue, déboulant dans l'espace, à la Chagall. Les soldats sont aussi susceptibles de s'immiscer que les nains de jardin, les fantômes ont le même statut que les allusions à l'histoire de l'art. Des sculptures Gloopy imprimées en 3D de chiens et de tortues fondus, comme échappées du plan de l'image, amplifient l'ambiance allégorique.

Le mode actuel de peinture figurative de Beresin découle de la découverte du journal que sa mère a écrit après sa libération d'Auschwitz. Malgré ce sujet, ou peut-être à cause de lui, les toiles de Beresin regorgent d'humour caustique ("Familiarity", dans lequel une femme examine son corps vieillissant alors que des cosmonautes lorgnent du coin), redevables mais non alourdis par le fret de la mémoire.

Beresin fonctionne rapidement, appliquant de la peinture sur la toile au sol sans aucun croquis intermédiaire. (Les traces de pas de ses chaussures sont souvent visibles, comme une carte pâle, révélant les traces de ses mouvements.) Ses silhouettes charnues et boueuses sont souvent à peine lisibles, parfois entassées en caillots de corps grossièrement définis, ce qui suggère des charniers et autres horreurs des camps, un traumatisme héréditaire qui se répercute. Ses coups furieux se lisent comme de l'impatience, mais aussi de la liberté. MAX LAKIN

Holland Cotter, Jason Farago et Roberta Smith sont critiques du personnel.

Dawn Chan, Aruna D'Souza, Travis Diehl, Yinka Elujoba, Blake Gopnik, Will Heinrich, Max Lakin, Arthur Lubow, Siddhartha Mitter, Seph Rodney, Martha Schwendener, Jillian Steinhauer et John Vincler contribuent aux critiques.

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